Art, inflation et diversification : l'art peut-il contribuer à préserver le patrimoine ?

Par Emilia Novak

Lorsque l'inflation réduit le pouvoir d'achat des liquidités, il est naturel de chercher des alternatives au cash lui-même.

L'immobilier, les métaux précieux et d'autres actifs tangibles retiennent souvent une attention renouvelée en période d'incertitude économique. Les beaux-arts méritent également d'être intégrés à cette réflexion — mais avec une réserve importante : l'art n'est pas une couverture garantie contre l'inflation et ne doit pas être traité comme tel.

Son cas est plus intéressant que cela.

Une œuvre d'art sélectionnée avec soin peut constituer un actif physique rare, une réserve de valeur échangée à l'échelle internationale et un moyen de diversifier un patrimoine en dehors des marchés financiers conventionnels. Contrairement à la plupart des investissements, elle offre également quelque chose tout au long de la période de détention : le plaisir de vivre avec elle.

Pour les collectionneurs, la question n'est donc pas simplement de savoir si l'art 'bat l'inflation'. Une question plus pertinente est la suivante : quel type d'art possède les caractéristiques susceptibles de l'aider à préserver sa valeur sur le long terme ?

L'art en tant qu'actif réel diversifiant

L'inflation signifie qu'une même somme d'argent achète moins au fil du temps. Un investisseur détenant €100 000 en liquidités peut toujours voir apparaître €100 000 sur un relevé bancaire des années plus tard, tandis que son pouvoir d'achat a diminué.

C'est l'une des raisons pour lesquelles les actifs physiques rares peuvent redevenir attractifs.

L'offre d'œuvres importantes d'artistes consacrés est intrinsèquement limitée. Une gravure originale de Picasso ou une sérigraphie de Warhol appartient à un corpus défini qui ne peut tout simplement pas être étendu parce que la demande augmente. Des éditions posthumes et des éditions autorisées par les ayants droit existent pour certains artistes, notamment Picasso, Miró et Chagall, mais elles sont documentées séparément et peuvent occuper des positions très différentes sur le marché.

La rareté compte — mais la rareté seule ne suffit pas. Un objet peut être extrêmement rare et n'avoir que très peu de valeur si personne ne le désire.

Ce qui importe, c'est la combinaison de la rareté, de la qualité et d'une demande soutenue.

Les recherches sur l'art en tant que couverture directe contre l'inflation donnent des résultats mitigés, et les prix de l'art n'augmentent pas automatiquement lorsque les prix à la consommation augmentent. L'art se comprend donc mieux comme un actif réel diversifiant que comme une assurance contre l'inflation.

Son marché est influencé par des facteurs différents de ceux qui animent les actions, les obligations ou les devises : l'importance historique d'un artiste, sa présence dans les musées, la provenance, la rareté, l'état de conservation, les études savantes et la demande internationale des collectionneurs.

C'est dans cette relative indépendance que réside une grande partie de l'attrait de l'art.

Les artistes établis sont différents des artistes à la mode

Toutes les œuvres d'art ne présentent pas les mêmes caractéristiques financières.

Une œuvre d'un artiste devenu à la mode au cours des deux dernières années représente une proposition fondamentalement différente de celle d'un artiste dont le marché existe à l'échelle internationale depuis plusieurs générations.

Des artistes tels que Pablo Picasso, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Joan Miró, Marc Chagall et David Hockney bénéficient de marchés particulièrement matures. Leurs œuvres figurent dans les collections des grands musées, sont abondamment documentées, s'échangent à l'international et sont régulièrement proposées par des galeries et des maisons de ventes établies.

Cela ne signifie pas que leurs prix sont fixes. Aucun artiste ne possède une valeur immuable.

Un Picasso peut valoir quelques milliers d'euros ou plusieurs millions selon l'œuvre. La période, la technique, l'image, la rareté, l'édition, l'état de conservation, la provenance et l'importance entrent tous en ligne de compte.

Ce que ces artistes possèdent bel et bien, c'est quelque chose de très précieux : un marché établi à l'aune duquel une œuvre peut être évaluée.

Il existe des ventes comparables. Il existe des catalogues raisonnés. Il existe des marchands spécialisés et des départements de ventes aux enchères spécialisés. Il existe des collectionneurs dans de nombreux pays. Il existe plusieurs décennies d'historique de transactions.

Cela crée une formation des prix.

Une œuvre à 10 000 € d'un artiste récemment à la mode et une œuvre à 10 000 € d'un artiste établi à l'international peuvent afficher le même prix aujourd'hui, mais les marchés qui sous-tendent ces prix peuvent être entièrement différents.

Nous avons observé cela à maintes reprises au cours de plus de vingt ans d'activité dans le négoce d'éditions. Les œuvres qui tendent à inspirer la plus grande confiance ne sont pas simplement celles qui portent des signatures célèbres. Ce sont des œuvres reconnaissables et bien documentées d'artistes bénéficiant d'une demande internationale large et persistante.

La question que nous jugeons plus utile que 'Cet artiste est-il célèbre ?' est la suivante :

'S'agit-il d'une bonne œuvre de cet artiste, à un prix raisonnable ?'

Pourquoi les estampes et les éditions présentent un intérêt particulier

Pour de nombreux collectionneurs, les estampes et les éditions constituent l'une des voies d'accès les plus abordables à ce segment du marché de l'art.

Un tableau important de Picasso, Warhol ou Hockney peut atteindre des centaines de milliers, voire des millions. Une lithographie, une eau-forte ou une sérigraphie originale du même artiste peut parfois être acquise pour une fraction de cette somme.

Il s'agit néanmoins d'une œuvre authentique de l'artiste — non d'une reproduction — mais réalisée en édition.

Cela permet à un collectionneur de constituer une collection significative auprès de plusieurs artistes reconnus, sans immobiliser un capital considérable dans un seul objet.

Cela peut également faciliter les comparaisons de marché. Lorsque plusieurs exemplaires d'une même édition sont apparus publiquement au fil du temps, les collectionneurs peuvent examiner les transactions antérieures et comprendre la position d'un exemplaire particulier sur le marché.

Le portfolio Marilyn de Warhol en est un exemple éclairant. Créé en 1967, il se compose de dix sérigraphies, chacune produite en édition de 250 exemplaires, avec des épreuves d'artiste supplémentaires. Des exemplaires individuels et des séries complètes circulent sur le marché secondaire international depuis des décennies et sont répertoriés dans le catalogue raisonné de référence de l'œuvre imprimé de Warhol.

L'exemple de Marilyn illustre également l'importance de la documentation. Des versions distinctes dites Sunday B. Morning ont été publiées ultérieurement sans l'autorisation de Warhol et se reconnaissent à leurs tampons d'éditeur et à d'autres caractéristiques. Les grandes maisons de ventes distinguent ces œuvres du portfolio autorisé Factory Additions de 1967, et les deux ne doivent pas être estimées ou décrites comme s'il s'agissait de la même édition.

Cette distinction explique précisément pourquoi une référence de catalogue, les informations correctes sur l'édition et la connaissance de l'historique de publication de l'œuvre peuvent revêtir une telle importance.

Le même principe s'applique à l'œuvre gravé de Picasso, Miró, Chagall, Lichtenstein, Hockney et de nombreux autres artistes majeurs.

La taille de l'édition compte — mais la demande compte davantage

Les collectionneurs se concentrent souvent sur la taille de l'édition.

Une édition de 30 est plus rare qu'une édition de 300, mais cela ne la rend pas automatiquement plus précieuse.

Une édition de 250 d'un artiste comptant des milliers de collectionneurs actifs peut avoir un marché bien plus solide qu'une édition de 10 d'un artiste pour lequel il n'existe que très peu d'acheteurs potentiels.

La rareté doit toujours être examinée conjointement avec la demande.

Pour les éditions, nous examinons généralement plusieurs éléments ensemble :

• l'importance de l'artiste ;

• la qualité et l'attrait de l'image ;

• la taille de l'édition ;

• la signature et la numérotation ;

• les références au catalogue raisonné ;

• l'éditeur ou l'imprimeur ;

• l'état de conservation ;

• la provenance ;

• l'activité comparable sur le marché secondaire ;

• et, point important, le prix demandé.

Un grand nom ne compense pas une œuvre médiocre acquise à un prix excessif.

Ce qu'il faut savoir avant d'acheter

L'art présente des inconvénients en tant qu'actif, et tout collectionneur sérieux se doit de les comprendre.

Le premier est la liquidité. Une action cotée peut généralement être vendue presque immédiatement. Une œuvre d'art peut mettre des semaines ou des mois à trouver acquéreur, et le prix obtenu aujourd'hui peut différer du prix qu'espère recevoir le vendeur.

Le deuxième est le coût de transaction.

Imaginez qu'une œuvre soit achetée pour 20 000 € et revendue ultérieurement pour 22 000 €. Sur le papier, cela représente un gain de 2 000 €. Une fois intégrées les commissions de la galerie ou de la maison de ventes, les frais de transport, l'assurance et les autres dépenses, il se peut qu'il ne reste aucun bénéfice.

Pour cette raison, l'art est généralement bien plus pertinent dans une logique de détention à long terme que comme opération à court terme.

La troisième considération est la documentation.

Pour les artistes reconnus, la provenance, l'authenticité, les références au catalogue raisonné, les signatures et les informations relatives à l'édition influent directement sur la commercialisabilité de l'œuvre. La documentation n'est pas un simple accompagnement administratif de l'actif ; dans bien des cas, elle contribue à la confiance qu'un futur acquéreur peut accorder à l'œuvre.

Enfin, il y a l'état de conservation.

Cet aspect revêt une importance particulière pour les œuvres sur papier. La lumière, l'humidité, un encadrement inadéquat et des matériaux inappropriés peuvent provoquer des décolorations, du foxing, des taches, des brûlures de passe-partout et d'autres dommages. Deux épreuves d'une même édition peuvent ainsi présenter des valeurs très différentes.

Un collectionneur soucieux de préservation à long terme devrait donc accorder autant d'attention à ce qu'il acquiert qu'au nom signé sur l'œuvre.

L'art est portable et universellement compris

L'art se distingue également des actifs tels que l'immobilier en ce qu'il n'est pas attaché de façon permanente à un lieu.

Une œuvre importante peut accompagner son propriétaire, passer à une autre génération ou être vendue sur un autre marché international. Un Picasso reste reconnaissable pour les collectionneurs, qu'il se trouve à Londres, New York, Paris, Hong Kong ou Bruxelles.

Pour les collectionneurs à mobilité internationale, cela peut s'avérer attrayant.

La propriété transfrontalière n'est toutefois pas sans contraintes. La TVA à l'importation, les règles douanières, la législation sur les biens culturels, le droit de suite et les restrictions à l'exportation peuvent s'appliquer selon l'œuvre et les juridictions concernées. Il convient de toujours en tenir compte avant de déplacer ou de vendre une œuvre à l'international.

La valeur perçue pendant la détention de l'œuvre

Il existe une différence essentielle entre l'art et presque tout investissement financier.

On vit avec.

De l'or conservé dans un coffre-fort procure peu de plaisir au quotidien. Une obligation existe avant tout comme une créance financière. Un tableau ou une estampe peut faire partie d'un foyer pendant vingt ans.

C'est l'une des raisons pour lesquelles nous estimons que l'investissement ne doit jamais être la seule motivation pour acquérir une œuvre d'art.

Si un collectionneur choisit judicieusement, la plus-value financière n'est qu'un rendement possible parmi d'autres. Il y a aussi l'expérience que représentent la possession, la contemplation et la vie au quotidien avec un objet doté d'une signification artistique et culturelle.

Cela importe d'autant plus que les marchés de l'art n'évoluent pas en ligne droite. Les prix peuvent stagner ou baisser. Un artiste peut se démoderiser. Un acheteur peut simplement payer trop cher.

Posséder quelque chose que l'on apprécie véritablement rend cette incertitude bien plus facile à accepter.

Huit principes pour collectionner en visant une valeur à long terme

Pour quelqu'un qui souhaite associer la collection à un objectif de préservation du patrimoine, nous préconisons une approche relativement simple :

1. Privilégiez la qualité à la quantité. Cinq œuvres de qualité sont généralement plus convaincantes que vingt œuvres médiocres.

2. Comprenez le marché de l'artiste. Regardez au-delà des prix demandés par les galeries et tenez compte de l'activité documentée sur le marché secondaire.

3. Accordez le poids qui convient aux marchés établis. Des artistes tels que Picasso, Warhol, Miró, Chagall, Lichtenstein et Hockney bénéficient de plusieurs décennies de demande internationale, même si les œuvres individuelles varient considérablement en qualité et en valeur.

4. Prenez la documentation au sérieux. La provenance, les références de catalogue, ainsi que les informations relatives à la signature et à l'édition peuvent influer sensiblement sur la commercialisation future.

5. Achetez en tenant compte de l'état de conservation. En particulier pour les œuvres sur papier, la conservation est déterminante.

6. Soyez attentif au prix. Même une œuvre d'art excellente peut constituer une mauvaise acquisition si elle est achetée bien au-dessus de sa valeur de marché.

7. Pensez en années, non en mois. L'art est un actif peu liquide et les coûts de transaction rendent les transactions fréquentes peu attrayantes.

8. Achetez quelque chose dont vous seriez encore heureux d'être propriétaire si son prix n'évoluait pas pendant dix ans.

Le principal argument en faveur de l'art n'est donc pas qu'il garantit une protection contre l'inflation. Ce n'est pas le cas.

L'argument est que des œuvres soigneusement choisies peuvent réunir des qualités difficiles à trouver dans un seul actif : rareté, importance culturelle, demande internationale, portabilité, potentiel de valeur à long terme et plaisir de la possession.

Pour le collectionneur avisé, les beaux-arts établis peuvent ainsi constituer une composante précieuse d'un portefeuille d'actifs diversifié.

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