Arte, inflación y diversificación: ¿puede el arte contribuir a preservar el patrimonio?

Por Emilia Novak

Cuando la inflación reduce el poder adquisitivo del dinero en efectivo, es natural mirar más allá del efectivo en sí.

Los bienes inmuebles, los metales preciosos y otros activos tangibles suelen recibir una atención renovada en períodos de incertidumbre económica. El arte de primera línea también pertenece a esa conversación — pero con una salvedad importante: el arte no es una cobertura garantizada contra la inflación y no debe tratarse como tal.

Su caso es más interesante que eso.

El arte cuidadosamente seleccionado puede ser un activo físico escaso, un depósito de valor negociado internacionalmente y una forma de diversificar el patrimonio al margen de los mercados financieros convencionales. A diferencia de la mayoría de las inversiones, también ofrece algo durante el período de tenencia: el placer de convivir con él.

Para los coleccionistas, la pregunta no es simplemente si el arte 'supera a la inflación'. Una pregunta más pertinente es: ¿qué tipo de arte posee las características que pueden ayudarlo a preservar su valor a largo plazo?

El arte como activo real diversificador

La inflación significa que la misma cantidad de dinero compra menos con el paso del tiempo. Un inversor que mantiene €100.000 en efectivo puede seguir viendo €100.000 en un extracto bancario años después, mientras que su poder adquisitivo ha disminuido.

Esta es una de las razones por las que los activos físicos escasos pueden volverse atractivos.

La oferta de obras importantes de artistas consagrados es intrínsecamente limitada. Un aguafuerte original de Picasso o una serigrafía de Warhol pertenece a un corpus definido que no puede ampliarse simplemente porque aumente la demanda. Las ediciones póstumas y las autorizadas por los herederos sí existen para algunos artistas, entre ellos Picasso, Miró y Chagall, pero están documentadas por separado y pueden ocupar posiciones muy distintas en el mercado.

La escasez importa — pero la escasez por sí sola no es suficiente. Un objeto puede ser extraordinariamente raro y aun así tener muy poco valor si nadie lo desea.

Lo que importa es la combinación de escasez, calidad y demanda sostenida.

La investigación sobre el arte como cobertura directa contra la inflación arroja resultados dispares, y los precios del arte no suben automáticamente cuando suben los precios al consumo. Por ello, el arte se entiende mejor como un activo real diversificador que como una póliza de seguro contra la inflación.

Su mercado está influido por factores distintos a los que impulsan las acciones, los bonos o las divisas: la importancia histórica del artista, su presencia en museos, la procedencia, la rareza, el estado de conservación, los estudios académicos y la demanda internacional de coleccionistas.

Esa relativa independencia es donde reside gran parte del atractivo del arte.

Los artistas consolidados son diferentes de los artistas de moda

No todo el arte comparte las mismas características financieras.

Una obra de un artista que se ha puesto de moda durante los últimos dos años es una propuesta fundamentalmente diferente a la de un artista cuyo mercado existe internacionalmente desde varias generaciones.

Artistas como Pablo Picasso, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Joan Miró, Marc Chagall y David Hockney cuentan con mercados especialmente maduros. Sus obras forman parte de las colecciones de los principales museos, están ampliamente documentadas, se negocian a nivel internacional y se ofrecen regularmente a través de galerías y casas de subastas consolidadas.

Esto no significa que sus precios sean fijos. Ningún artista tiene un valor inamovible.

Un Picasso puede valer unos pocos miles de euros o muchos millones dependiendo de la obra. El período, la técnica, la imagen, la rareza, la edición, el estado de conservación, la procedencia y la importancia son factores que influyen.

Lo que sí tienen estos artistas es algo muy valioso: un mercado consolidado frente al cual puede juzgarse una obra.

Existen ventas comparables. Existen catálogos razonados. Existen marchantes especializados y departamentos de subasta especializados. Existen coleccionistas en muchos países. Existe un historial de transacciones de varias décadas.

Eso genera descubrimiento de precios.

Una obra de €10.000 de un artista recientemente de moda y una obra de €10.000 de un artista consolidado internacionalmente pueden tener el mismo precio hoy, pero los mercados que respaldan esos precios pueden ser completamente diferentes.

Hemos visto esto repetidamente a lo largo de más de veinte años dedicados al comercio de ediciones. Las obras que tienden a inspirar mayor confianza no son simplemente aquellas que llevan firmas célebres. Son obras reconocibles y bien documentadas de artistas con una demanda internacional amplia y sostenida.

La pregunta que consideramos más útil que '¿Es famoso este artista?' es:

'¿Es esta una buena obra de este artista, a un precio razonable?'

Por qué los grabados y las ediciones resultan especialmente interesantes

Para muchos coleccionistas, los grabados y las ediciones ofrecen una de las vías de acceso más asequibles a esta parte del mercado del arte.

Una obra importante de Picasso, Warhol o Hockney puede costar cientos de miles o millones. Una litografía, un aguafuerte o una serigrafía originales del mismo artista pueden adquirirse en ocasiones por una fracción de esa cantidad.

Sigue siendo una obra auténtica del artista — no una reproducción — pero creada en edición.

Esto permite a un coleccionista conformar una colección significativa de varios artistas consagrados sin concentrar una enorme cantidad de capital en un único objeto.

También puede hacer que el mercado sea más fácil de comparar. Cuando varios ejemplares de una misma edición han aparecido públicamente a lo largo del tiempo, los coleccionistas pueden examinar transacciones anteriores y comprender qué lugar ocupa un ejemplar concreto dentro del mercado.

El portfolio Marilyn de Warhol es un ejemplo ilustrativo. Creado en 1967, consta de diez serigrafías, cada una producida en una edición de 250 ejemplares, con pruebas de artista adicionales. Ejemplares individuales y series completas han circulado por el mercado secundario internacional durante décadas y están documentados en el catalogue raisonné estándar de la obra gráfica de Warhol.

El ejemplo de Marilyn ilustra también por qué la documentación es importante. Versiones distintas bajo el nombre Sunday B. Morning fueron publicadas posteriormente sin autorización de Warhol y se identifican por sus sellos editoriales y otras características. Las grandes casas de subastas distinguen estas obras del portfolio autorizado Factory Additions de 1967, y ambas no deben valorarse ni describirse como si fueran la misma edición.

Esta distinción es precisamente la razón por la que una referencia de catálogo, la información correcta sobre la edición y el conocimiento de la historia editorial de la obra pueden ser tan importantes.

El mismo principio se aplica a la obra gráfica de Picasso, Miró, Chagall, Lichtenstein, Hockney y muchos otros artistas de primer orden.

El tamaño de la edición importa, pero la demanda importa más

Los coleccionistas suelen centrarse en el tamaño de la edición.

Una edición de 30 es más escasa que una de 300, pero eso no la hace automáticamente más valiosa.

Una edición de 250 de un artista con miles de coleccionistas activos puede tener un mercado mucho más sólido que una edición de 10 de un artista para quien hay muy pocos compradores potenciales.

La escasez debe considerarse siempre junto con la demanda.

En el caso de las ediciones, generalmente examinamos varios aspectos conjuntamente:

• la importancia del artista;

• la calidad y el atractivo de la imagen;

• el tamaño de la edición;

• la firma y la numeración;

• las referencias al catalogue raisonné;

• el editor o impresor;

• el estado de conservación;

• la procedencia;

• la actividad comparable en el mercado secundario;

• y, de manera importante, el precio solicitado.

Un gran nombre no compensa una obra mediocre adquirida a un precio excesivo.

Qué tener en cuenta antes de comprar

El arte presenta desventajas como activo, y un coleccionista serio debe comprenderlas.

La primera es la liquidez. Una acción cotizada puede venderse normalmente de forma casi inmediata. Una obra de arte puede tardar semanas o meses en venderse, y el precio disponible hoy puede ser distinto del precio que el vendedor espera obtener.

La segunda son los costes de transacción.

Imagine que adquiere una obra por 20.000 € y la vende posteriormente por 22.000 €. Sobre el papel existe una ganancia de 2.000 €. Una vez incluidas las comisiones de galerías o casas de subastas, el transporte, el seguro y otros gastos, es posible que no quede ganancia alguna.

Por esta razón, el arte tiene mucho más sentido como inversión a largo plazo que como operación a corto plazo.

La tercera consideración es la documentación.

En el caso de artistas consagrados, la procedencia, la autenticidad, las referencias al catalogue raisonné, las firmas y la información sobre la edición influyen directamente en la comerciabilidad de la obra. La documentación no es un mero trámite administrativo que acompaña al activo; en muchos casos forma parte de lo que confiere confianza a un futuro comprador.

Por último, está el estado de conservación.

Este aspecto es especialmente importante en las obras sobre papel. La luz, la humedad, un enmarcado deficiente y materiales inadecuados pueden provocar decoloración, foxing, manchas, quemaduras por el paspartú y otros daños. Dos ejemplares de la misma edición pueden tener, en consecuencia, valores muy diferentes.

Un coleccionista que piense en la conservación a largo plazo debería prestar tanta atención a lo que está comprando como al nombre que figura en la obra.

El arte es portátil e internacionalmente comprensible

El arte también difiere de activos como el inmobiliario en que no está permanentemente ligado a un lugar.

Una obra importante puede acompañar a su propietario, pasar a otra generación o venderse en otro mercado internacional. Un Picasso sigue siendo reconocible para los coleccionistas tanto si se encuentra en Londres, Nueva York, París, Hong Kong o Bruselas.

Para los coleccionistas con movilidad internacional, eso puede resultar atractivo.

Sin embargo, la propiedad transfronteriza no está exenta de complicaciones. Pueden aplicarse el IVA a la importación, las normas aduaneras, la legislación sobre bienes culturales, el derecho de participación y las restricciones a la exportación, según la obra y las jurisdicciones implicadas. Estos aspectos deben tenerse siempre en cuenta antes de trasladar o vender una obra a nivel internacional.

El valor que se obtiene mientras se es propietario

Existe una diferencia fundamental entre el arte y prácticamente cualquier inversión financiera.

Se convive con él.

El oro guardado en una cámara acorazada proporciona escaso placer cotidiano. Un bono existe principalmente como un derecho financiero. Una pintura o una estampa pueden formar parte de un hogar durante veinte años.

Esta es una de las razones por las que no creemos que la inversión deba ser nunca el único motivo para adquirir arte.

Si un coleccionista elige bien, la revalorización financiera es solo uno de los posibles rendimientos. Está también la experiencia de poseer, contemplar y convivir con un objeto de significación artística y cultural.

Eso importa especialmente porque los mercados del arte no evolucionan en línea recta. Los precios pueden estancarse o caer. Un artista puede pasar de moda. Un comprador puede, sencillamente, pagar demasiado.

Poseer algo que se valora de verdad hace que esa incertidumbre resulte considerablemente más fácil de aceptar.

Ocho principios para coleccionar con una perspectiva de valor a largo plazo

Para alguien que desee combinar el coleccionismo con un elemento de preservación del patrimonio, mantendríamos el enfoque relativamente sencillo:

1. Compre calidad en lugar de cantidad. Cinco obras sólidas son, por lo general, más convincentes que veinte mediocres.

2. Comprenda el mercado del artista. Mire más allá de los precios de salida de las galerías y tenga en cuenta la actividad documentada en el mercado secundario.

3. Otorgue el peso adecuado a los mercados consolidados. Artistas como Picasso, Warhol, Miró, Chagall, Lichtenstein y Hockney cuentan con décadas de demanda internacional, aunque las obras individuales varían enormemente en calidad y valor.

4. Tome la documentación en serio. La procedencia, las referencias de catálogo, la información sobre firma y edición pueden afectar de manera significativa la comercialización futura.

5. Compre en función del estado de conservación. Especialmente en el caso de las obras sobre papel, la conservación es fundamental.

6. Preste atención al precio. Incluso una obra de arte excelente puede ser una mala adquisición si se compra muy por encima de su valor de mercado.

7. Piense en años, no en meses. El arte es un activo ilíquido y los costes de transacción hacen que la compraventa frecuente resulte poco atractiva.

8. Compre algo con lo que seguiría estando satisfecho de poseer aunque su precio no hiciera nada durante diez años.

El argumento más sólido a favor del arte no es, por tanto, que garantice protección frente a la inflación. No es así.

El argumento es que las obras elegidas con criterio pueden combinar cualidades difíciles de encontrar en un solo activo: escasez, importancia cultural, demanda internacional, portabilidad, potencial de valor a largo plazo y el placer de la posesión.

Para el coleccionista adecuado, el arte de bellas artes consolidado puede constituir una parte valiosa de una cartera diversificada de activos.

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