Sam Francis

Untitled, 1984

106.7 X 73 inch

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Shock Art: die Gewalt der Wiedererkennbarkeit und Hyperrealismus in einer Schleife

Shock Art, the Violence of Recognisability and Hyperrealism on a Loop

By Andrew Bay, UK

Shock Art ist eine Form des extremen Realismus, die in den 1960er Jahren mit bemerkenswerten Performance-Stücken von Künstlern wie Hermann Nitsch, Piero Manzoni und Chris Burden bekannt wurde. Der "Schock" in diesen Werken wird durch den unglaublich realistischen Grad der "Darstellbarkeit" erzeugt, den die Künstler anstreben, und hinterlässt beim Publikum ein Gefühl der Unausweichlichkeit: Wenn man mit "Shock Art" konfrontiert wird, gibt es kein Zurück mehr. Obwohl sie im Laufe der Jahre auf erheblichen Widerstand bei Kritikern und Publikum gestoßen ist, hat die Schock-Kunst einen wunden Punkt in unserer Gesellschaft getroffen. Sie bringt eine neue Art von Angst zum Vorschein, die nicht von Natur aus existentiell ist. Die neurotische Befürchtung, die in diesen unglaublich realistischen Kunstwerken zum Ausdruck kommt, ist die Angst vor ständiger Rekursion und Wiederholung, die die moderne Welt bestimmt. Die Realität ist heute unumkehrbar austauschbar mit der Werbung, ununterscheidbar von der Reklame und dem Hype, in dem alle Sinne, Bedeutungen und Interpretationen zu einer Einheit verschmolzen sind. Letztendlich spiegelt "Shock Art" einfach das Informationszeitalter wider: verstörend und äußerst brutal, so unausweichlich mysteriös wie ein digitales schwarzes Loch.

Der abtrünnige Künstler Ai Weiwei wurde 1957 in Peking geboren, in einer Familie, in der politischer Aktivismus zum Alltag gehörte. Sein Vater war Ai Qing, der Begründer der modernen chinesischen Poesie. Sein entschiedener Widerstand gegen die kommunistischen Behörden Chinas führte zu seiner Verbannung und Inhaftierung in der Provinz Shihezi, wo Weiwei in den 1960er Jahren aufwuchs. Nach dem Tod von Mao Zedong im Jahr 1976 wurde die Familie begnadigt und durfte nach Peking zurückkehren, wo Weiwei sich an der Filmakademie einschrieb. Schon früh beschloss er, sich mit seiner Kunst mit den sozialen und politischen Kontingenzen von Freiheit und Selbstdarstellung auseinanderzusetzen. Wie schon sein Vater vor ihm zog er mit seiner mutigen, kreativen Entschlossenheit den Zorn des chinesischen politischen Establishments auf sich, das die meisten seiner künstlerischen Darbietungen und Produktionen zensierte und Weiwei 2015 zwang, China endgültig zu verlassen und in den Westen zu gehen. Neben seinen ambitionierten Skulpturen und Installationen ist er vor allem für seine Performance "Sunflower Seeds" bekannt, die 2010 in der Tate Modern in London gezeigt wurde. Bei dieser Inszenierung verteilte er 50 Millionen handgefertigte Porzellansamen auf dem Boden der Galerie und kritisierte damit den Konsumismus und den Autoritarismus sowohl im Westen als auch in China.

Nobuyoshi Araki hatte schon immer eine besondere Vorliebe für die Porträts, die er in den 1970er und 1980er Jahren von seiner Frau, der Schriftstellerin Yoko Aoki, machte. Obwohl er weltweit für seine umstrittenen Aktporträts und -bilder bekannt ist, besteht er darauf, dass es die Liebe ist, die seine künstlerische Neugierde am meisten antreibt. "Sentimental Journey" ist eines seiner berühmtesten Fotobücher, in dem er die Romantik seiner Flitterwochen einfing, die er bis zum tragischen Tod seiner Frau durch Eierstockkrebs im Jahr 1990 dokumentierte. Araki ist der Meinung, dass die Bilder für unbestimmte Zeit in seinem Unterbewusstsein leben und erst dann zum Vorschein kommen, wenn sie sich in schnellen Inspirationsschüben auf seinen Polaroid-Schnappschüssen offenbaren. Mit seiner Fotografie hat er den Übergang Japans von einer Kultur mit tausendjährigen Traditionen zu einer materialistischen Gesellschaft festgehalten, die in einem babylonischen Turm gefangen und von den verdrängten Freudschen Trieben des Eros und Thanatos durchdrungen ist.

1971 inszenierte Chris Burden eine Kunstperformance, bei der ihm sein bester Freund vor den Augen des Publikums in den Arm schoss. Zu dieser Zeit sendete das US-Fernsehen ununterbrochen Bilder aus dem Vietnamkrieg, was Burdens Entscheidung, dieses Anti-Kriegs-Statement offen zu äußern, maßgeblich beeinflusste. In gewissem Sinne war dies seine Art, sich mit dem Narrativ des Krieges zu ermächtigen. Die amerikanischen Fernsehkonzerne kontrollierten die Informationsnetze und hatten das Monopol darauf, was über den dramatischen Konflikt in Südostasien berichtet werden durfte. Burden wollte diese Kontrolle von den Mainstream-Medien zurückerobern. Seine Installation "Shoot" war die Blaupause für alle seine nachfolgenden Produktionen und Performances. Kurz darauf begann Burden, Sendezeit bei lokalen Fernsehsendern in Los Angeles zu kaufen, um seine eigenen Kunstfilme auszustrahlen, was eine bahnbrechende konzeptionelle und politische Form des Aktivismus darstellte. Seitdem hat Burden seine Kritik am "American Way of Life" immer weiter ausgebaut. Seine Skulpturen und Mixed-Media-Arbeiten stellen den Konformismus und die beträchtliche Macht in Frage, die die Madison Avenue und die Werbemaschinerie über das Leben und die Aufmerksamkeitsspanne des gewöhnlichen Amerikaners ausüben. Dies gipfelte 1974 in Burdens äußerst einflussreicher Performance "Transfixed," bei der er seine eigene Kreuzigung inszenierte.

"Ich bin ein Künstler, der Bilder aus zweiter Hand und Erfahrungen aus erster Hand verwendet."

Maurizio Cattelan scheut nicht davor zurück, Humor und Kontroverse einander gegenüberzustellen. In seinen unversöhnlichen und sardonischen Konzeptkunstwerken unterläuft er die Protokolle, die der Kunstbetrieb seiner Zeit vereinbart hat. Zu seinen bekanntesten Werken gehören "Comedian" (2019), eine Installation mit einer an die Wand geklebten Banane, und "La Nona Ora", eine Skulptur eines Papstes, der von einem Meteoriten getroffen wird. Cattelans Werke bilden kleine Rätsel und Puzzles. Er lässt genügend Raum, damit der Betrachter seine eigenen Interpretationen darüber anstellen kann, was sie bedeuten könnten, und verleiht ihnen so die Kraft, auf ihre eigene Art zu existieren. Es sind die Unbeständigkeit und die rätselhaften Implikationen der Symbole, mit denen Cattelan arbeitet, die sie ebenso faszinierend wie unverschämt machen.

1999 erhielt die belgische Bildhauerin Berlinde De Bruyckere einen Auftrag des Flanders Field Museum in Ypern, das sich auf die Erforschung des Ersten Weltkriegs spezialisiert hat. Sie widmete sich diesem Auftrag, während sie gleichzeitig an einem anderen Projekt über den völkermörderischen Krieg in Ruanda arbeitete, das sie bereits begonnen hatte. Sie war also an zwei Projekten beteiligt, die sich gleichzeitig mit den Schrecken des Krieges befassten. De Bruyckere erhielt uneingeschränkten Zugang zu den Archiven des Museums von Ypern, und im Laufe ihrer Recherchen entdeckte sie mit großer Bestürzung, dass während des Ersten Weltkriegs eine ungeheure Zahl von Pferden getötet worden war. Sie zog sofort eine Parallele zwischen den Verlusten an Menschenleben in Ruanda und den Verlusten an Pferden während des Ersten Weltkriegs und beschloss, die Dualität zu erforschen, die körperliche Folter und körperliche Kraft einschließt. De Bruyckere möchte die Anatomie der physischen Welt durch die ikonische Darstellung von menschlichen und tierischen Körpern neu erfinden. Indem sie die Oberfläche und die Beschaffenheit ihrer Sujets verändert, suggeriert sie auch die Präsenz der Seele, die ihrer Meinung nach unsere materiellen, natürlichen Gliedmaßen und Organe umhüllt.

Paul McCarthy ist für seine anspruchsvollen Inszenierungen und Multimedia-Performances bekannt. Er verbindet gekonnt bildende Kunst und Pop-Americana zu einem sarkastischen Kommentar, der den American Way of Life und den amerikanischen Kulturimperialismus in Frage stellt. McCarthy hat ein echtes Interesse daran, aufzudecken, auf welche Weise die amerikanische Geschichte durch den Hollywood-Revisionismus mythologisiert wurde. Er baut eine Montage aus kollektiven psychologischen Brüchen und filmischen Darstellungen auf, um dem amerikanischen Identitätsgefühl auf den Grund zu gehen. Er räumt ein, dass die Zeit kein bestimmender Faktor für sein Schaffen ist. Einige Stücke sind "ewig in Arbeit", und er hat kein Problem damit, sich von natürlichen Erzählungen zu lösen, wenn es um die Entwicklung seiner Ideen geht. McCarthys Arbeiten können aufgrund ihrer Intensität und des Unbehagens, das sie bei manchen Zuschauern auslösen, schockierend sein. Das Motiv hinter seinen Handlungen ist jedoch, einen sehr ursprünglichen Zustand der Vorstellungskraft zu erreichen. McCarthy ist sich der vielfältigen Kontexte bewusst, in denen seine Arbeit missverstanden und fehlinterpretiert werden kann. Um sich auf seine Kunst einzulassen, muss man sich daher bewusst sein, dass er sich einfach dafür entscheidet, Banalität und Normalität zu persiflieren, indem er sie permanent pervertiert.

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