Sam Francis

Untitled, 1984

106.7 X 73 inch

Entdecken

« vorherig

Nachtstimmen für verborgene Geschichten: Die marginalen Wur...

zurück »

Botch, Blotch und Splotch: Der überbordende Wirbel der Cobr...

Schattenspiel und Geometrie: Die optischen Phänomene der Hard-Edge-Malerei

Shadow Play and Geometry: The Optical Phenomena of Hard Edge Painting

By Andrew Bay, UK

Unzählige Versuche sind unternommen worden, um ein für alle Mal zu definieren, was Abstrakte Kunst sein könnte. Obwohl es wohl nie einen endgültigen Konsens über diese Definition geben wird, können wir mehr oder weniger akzeptieren, dass abstrakte Kunst eine Kunst ist, die nicht auf eine explizite Darstellung der visuellen Realität abzielt, sondern stattdessen das Rohmaterial von Formen, Farben, Gestalten und gestischen Details verwendet, um ihre Wirkung zu erzielen. Unter den zahlreichen Schulen der abstrakten Kunst, die im Laufe des XX. Jahrhunderts aufblühten, ist vor allem die Hard Edge-Kunst zu nennen, die unbesungene Helden und bahnbrechende Pioniere hervorgebracht hat. 

Zwischen Hard Edge und Minimalismus gibt es große Ähnlichkeiten, und sie werden oft synonym verwendet. In der Tat schließen sie sich nicht gegenseitig aus, und sie haben viele ähnliche Konzepte und ästhetische Prinzipien. Gehen wir jedoch einige Jahrzehnte vor dem Beginn der Hard-Edge-Bewegung zurück und betrachten wir kurz die Geometrische Abstraktion. Diese Bewegung, die ein echter Vorläufer der Moderne war, entstand kurz nach der Jahrhundertwende, etwa zur Zeit des Ersten Weltkriegs. Jahrhunderts, um die Zeit des Ersten Weltkriegs. Die Doktrin der Geometrischen Abstraktion bestand vor allem in der Untersuchung schlichter geometrischer Formen in nicht-illusionistischen Räumen. Mit anderen Worten, der Schwerpunkt der Geometrischen Abstraktion lag ausschließlich auf zweidimensionalen Objekten: Der dreidimensionale Raum und die praktische Realität spielten keine Rolle: Die Geometrische Abstraktion war größtenteils völlig ungegenständlich. Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian sind die beiden berühmtesten Vertreter dieser Tradition. Sie waren beide fest entschlossen, jene Ebene der Realität zu entdecken, die ihrer Meinung nach jenseits dieser chaotischen Welt der greifbaren Dinge und Gegenstände, in der wir leben, existieren muss. Und das ist das Kernprinzip, das die Hard Edge-Schule der Malerei ausmacht: der Versuch, Bedeutung und Design vom Kunstwerk zu abstrahieren.  

Hard-Edge-Künstler verwendeten in ihren Gemälden scharfe, klare Kanten und unerwartete Übergänge, wobei große Räume von flachen Farben umschlossen wurden. Ihr Hauptaugenmerk lag auf der Ökonomie der Formen in überwiegend geometrischen Formen, der Rundheit der Farben, die leuchtend und gesättigt sein können, und der Abwesenheit von Persönlichkeit in der Ausführung. Die Künstler der Hard Edge waren sich einig in ihrer Weigerung, sich auf die Idee einer Autorenschaft für ihr Werk festzulegen: Sie waren in gewisser Weise sehr "anti-painterly". Die Hard-Edge-Maler entwarfen Strukturen und oft ganze Systeme, um festzulegen, wie ihre Gemälde entstehen können, und zwar auf allen Ebenen. Historisch gesehen waren es zwei Schulen an beiden amerikanischen Küsten, die diese neue Ästhetik verkörperten. Die Hard-Edge-Maler der kalifornischen Westküste waren die Vier Abstrakten Klassizisten: Karl Benjamin, John McLaughlin, Frederick Hammersley und Lorser Feitelson; an der Ostküste in New York waren Josef Albers, Ellsworth Kelly und Kenneth Noland die Hauptakteure.

Josef Albers wurde 1888 in Deutschland in einer Familie von Handwerkern und Schmieden geboren. Von 1916 bis 1919 wurde er in Essen zum Grafiker und Glasmaler ausgebildet. Im Jahr 1920 schrieb er sich an der renommierten Kunsthochschule Bauhaus in Weimar ein, wo er schließlich 1925 eine Professur für Möbeldesign erhielt. Zu seinen Kollegen am Bauhaus gehörten bald weltberühmte Künstler wie Paul Klee und Wassily Kandinsky. 1933 zog Albers in die USA, um dem Aufstieg des Nationalsozialismus in Deutschland zu entgehen. Ihm wurde eine Stelle am Black Mountain College in North Carolina angeboten, wo er Robert Rauschenberg und Cy Twombly zu seinen Schülern zählte. Sein berühmtestes Werk ist die Serie "Homage to the Square", ein Lehrbuch der Hard Edge-Komposition. Die "Hommage" besteht im Wesentlichen aus einer Überlagerung von 4 Quadraten im Format 18 Zoll x 18 Zoll, die er im Laufe der Jahre immer wieder malte. Auf den Gemälden überlagern sich in typischer Hard-Edge-Manier systematisch 4 verschiedene Farbflächen. Albers sagte berühmt: "Letztendlich ist das Studium der Farbe das Studium von uns selbst."

Kenneth Noland wurde 1924 geboren und studierte Kunst am Black Mountain College in North Carolina, seinem Heimatstaat, bei keinem Geringeren als Joseph Albers selbst. Zu seinen klassischen Hard-Edge-Werken gehören die Serien "Targets" und "Stripes", in denen er sich ständig darum bemühte, alle Texturen, Gesten und emotionalen Inhalte aus seinen Bildern zu entfernen. 

Ellsworth Kelly wurde 1923 in Orange County, New York, in eine Familie der Mittelklasse geboren und studierte Kunst an der School of Fine Arts in Boston und an der renommierten Ecole des Beaux Arts in Paris. Seine ersten bedeutenden Werke waren eine Reihe von Collagen, die er 1951 entwarf und die in einem Buch mit dem Titel "Line Form And Colour" veröffentlicht wurden. Das Werk war stark von den Geometrischen Abstraktionen Malewitschs beeinflusst, wobei der Schwerpunkt auf reinen Farbblöcken und dem akribischen Experimentieren mit Farbbeziehungen lag. Nach und nach verwarf er formale Strukturen und konzentrierte sich stärker auf zufällige Assoziationen einzelner quadratischer Leinwände; "Colours For a Large Wall" (1951), für das er 64 einzelne quadratische Leinwände entwarf, die zu einer einzigen Einheit verschmolzen wurden, ist ein klassisches Hard Edge-Kunstwerk. Es verkörpert das Konzept einer additiven Komposition, bei der der Künstler mit einem Muster beginnt und dann immer mehr Elemente zu dem ursprünglichen Entwurf hinzufügt. Ellsworth war sehr daran interessiert, "ungegenständliche" Werke zu schaffen, aus denen der Künstler vollständig entfernt werden konnte. In "Sculpture For a Large Wall" (1957) entsteht durch die zufällige Platzierung von Objekten aus Metall- und Aluminiumblechen in Negativ- und Positivräumen eine beeindruckende Interaktion zwischen 3D-Winkeln und der Reflexion von Licht auf den Blechen. Mit seiner Serie "Red, Yellow, Blue" (1968) ging Kelly noch einen Schritt weiter und begann, im Stil seines Zeitgenossen Frank Stella, für jedes Bild neue Formen zu schaffen. Er begann, mit der Form der Leinwand zu experimentieren und sie so in ein Objekt zu verwandeln und sie ihres Status als Kunstwerk zu entkleiden. 


Karl Benjamin

Karl Benjamin war die wichtigste Stimme der Hard Edge West Coast Bewegung. Der Grundschullehrer, der in den 1950er Jahren zum Autodidakten wurde, wurde ungewollt zum Anführer der kalifornischen abstrakten Klassizisten der Westküsten-Hard-Edge-Schule. Mit leuchtenden, gesättigten Farben und einer Vorliebe für Ölfarben im Gegensatz zu Acrylfarben, die er nicht besonders gern verwendete, entwickelte er ein klassisches Hard-Edge-Werk, in dessen Mittelpunkt das Studium trapezförmiger, kachelartiger geometrischer Formen und Muster stand. Benjamin und seine Hard-Edge-Kollegen reagierten damit im Wesentlichen auf den Abstrakten Expressionismus und die Jackson-Pollock-Schule, die zu sehr auf emotionale Überschwänglichkeit setzten. Die Hard Edge-Künstler lehnten eine Herangehensweise an das Kunstmachen ab, die behauptete, dass "der Prozess die Kunst sei." Diese Maler wollten im Gegenteil den Prozess aus ihrer Kunst entfernen, indem sie die Möglichkeit der Auswahl aus ihrer Arbeit nahmen. Die Hard-Edge-Bewegung befasste sich mit dem eigentlichen Gemälde als Objekt, was sich in der Größe der Leinwand oder in der Art und Weise, wie sie an der Wand befestigt wurde, widerspiegeln konnte; ihr Schwerpunkt lag auf der Erforschung einfacher geometrischer Formen (wie von Karl Benjamin demonstriert) und der Gestaltung geordneter Kompositionssysteme. Symbole und Botschaften hatten keinen Zutritt zum kreativen Raum, und das Kunstwerk wurde als rein selbstreferentiell betrachtet. Die Künstler setzten ein Minimum an Mitteln ein, um ihre Werke zu schaffen, wie Texturen, Linien, Formen und Farben, deren Zweck zu einem bloßen Material im Gesamtbild vereinfacht worden war. Wiederholung und Muster waren die einzigen Bausteine, die erforderlich waren, um einen völlig neuen Ansatz für die moderne Malerei zu schaffen.

Verwandte Kunstwerke,
Die Ihnen Gefallen Könnten

Robert Rauschenberg

Opal Gospel Panel I, 1971

Limitierte Druck Auflage

Siebdruck

USD 1,850

Ellsworth Kelly

Untitled (Orange/Black), 1972

Limitierte Druck Auflage

Lithographie

USD 8,950

Robert Rauschenberg

Individual, 1982

Limitierte Druck Auflage

Collage

USD 8,500