Sam Francis

Untitled, 1984

106.7 X 73 inch

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Die Neuerfindung der Kunstwelt: Der Aufstand der Pop Art

Reinvention of the Art world: The Insurgency of Pop Art (Roy Lichtenstein CRAK !, 1963-1965)

Kunst ist alles, was wir aus ihr machen. Sie wird durch das definiert, was wir aufregend oder kreativ finden, und das ist derselbe Gedanke, der zur Entstehung der Pop Art führte. Die Pop Art entstand in Großbritannien als Reaktion auf den Massenmedienkonsum und die Populärkultur. Diese Reaktion führte zu einer Bewegung, die die Kunstwelt seither revolutioniert hat.  Sie unterscheidet sich von anderen Kunstformen durch ihre leuchtenden Farben und kühnen, eklektischen Formen, die stark von der Werbeindustrie beeinflusst sind.


Die Ursprünge der Pop Art reichen bis in die 1950er Jahre zurück, aber erst in den 1960er Jahren wurde die Welt in Amerika und Großbritannien auf sie aufmerksam. Sie begann als Widerstand gegen die damals vorherrschenden Ansätze in Kunst und Kultur. Einige junge Künstler stellten die traditionellen Ideologien darüber, was Kunst sein sollte, in Frage; sie waren der Meinung, dass das, was in den Kunstschulen gelehrt wurde, die Bedeutung der Kunst falsch darstellte, da nichts davon für sie einen Sinn ergab. In der Kunstschule wurde alte Geschichte gelehrt, während in den Museen Gegenstände und Erzählungen gezeigt wurden, die für ihr Leben irrelevant waren. Die jungen Künstler suchten nach nachvollziehbaren Kunstquellen, nach Dingen, mit denen sie interagierten und die sie täglich um sich herum sahen. Sie konnten das gesamte Konzept neu definieren und sich unkonventionellen Quellen zuwenden, wie Hollywood-Filmen, Sammlerstücken, Produktverpackungen, Werbung, Popmusik und so ziemlich allem, was sie inspirieren konnte.

Amerikanische Pop-Art

In ihren Anfängen war die Pop Art die Meinung einiger weniger Künstler und konnte sich in der Öffentlichkeit nicht so recht durchsetzen. Nach und nach fand sie ihren Platz und eine überwältigende Akzeptanz als Kunstform, die für die massenmedienorientierte Gesellschaft der westlichen Länder relevant war.

Die Bewegung, die als Reaktion auf den Kommerz entstand, bezieht ihre Ikonografie aus den Medien, Comics, Filmmagazinen und jeder Form von Werbung. Das gesamte Konzept war ein Versuch, zu einer objektiven und allgemein akzeptierten Kunst zurückzukehren und gleichzeitig die Vorherrschaft der "hohen Kunst" zu kritisieren, die die Gesellschaft in der Vergangenheit schätzte. Sie stützte sich stark auf den Expressionismus und wurde schließlich zu einem kulturellen Ereignis, da sie die sozialen Gegebenheiten und die leicht verständlichen Bilder genau widerspiegelte.

Das Aufkommen der Pop Art wurde durch Assemblagen von Rauschenberg und Johns angedeutet und durch aufwendig inszenierte Veranstaltungen angekündigt, die von Künstlern wie Allan Kaprow konzipiert wurden. Die Absicht war, das Publikum durch surreale Skulpturen mit Sinnesreizen zu stimulieren. Es fehlte nicht an mit Vinyl überzogenen, mit Kapok gefüllten, vergrößerten Objekten, darunter Zigarettenstummel und Hamburger. Die Technik war sehr kommerziell und nutzte die ständige Präsenz der Medien, um eine demokratische und nicht diskriminierende Kunst zu schaffen.

Die Popkultur wurde durch die Werke mehrerer Künstler ins Rampenlicht gerückt. Roy Lichtenstein war dafür bekannt, dass er einzelne Bilder aus kommerziellen Comic-Magazinen vergrößerte und sie mit einigen seiner Referenzen verschmolz, um sie zu dem zu erheben, was man als "bildende Kunst" bezeichnete. Andy Warhol und James Rosenquist hingegen konzentrierten sich auf den Konsumüberfluss mit buchstäblichen Gemälden und Siebdrucken von Suppendosen-Etiketten und Reihen von Softdrinkflaschen, die das Zeitalter der Supermärkte darstellten und gleichzeitig die Techniken der Massenproduktion nachahmten. Auf der dunkleren Seite produzierte Warhol die Siebdrucke Death and Disaster, die erschütternde Bilder von Autounfällen aus Polizeiakten zeigten. Er schuf auch mehrere Bilder von Marilyn Monroe.   Seine außergewöhnlichen Arbeiten nutzen die Vorteile leuchtend farbiger Überlagerungen.

Einige andere Künstler, wie Tom Wesselman, schufen markante Formen der Pop Art. Er ist vor allem für die Serie Great American Nude bekannt, die direkte Gemälde von gesichtslosen Sexsymbolen umfasst. Robert Indiana, ein Maler, Bildhauer und Grafiker, ist vor allem für seine Love-Skulpturenserie bekannt, die an mehr als 30 Orten weltweit zu finden ist.

Die Freiheit, die mit der Pop Art einhergeht, ist bei Keith Haring deutlich spürbar. Haring, der auch als The Alphabet bekannt ist, schuf Kunst, die nur wenige Linien und Primärfarben verwendet, um zu kommunizieren. Seine außergewöhnliche Kunst, die hauptsächlich aus cartoon-ähnlichen Figuren bestand, bildete Harings "Alphabet" und erzählte starke Geschichten und übermittelte Botschaften auf eine nie zuvor gesehene Weise.

Dies sind nur einige der Künstler, die die amerikanische Pop Art maßgeblich beeinflusst haben. Diese solide Grundlage legte den Grundstein für die große Akzeptanz der Pop Art im 20. Jahrhundert und zog Massen an, die ihre Kreativität auf die beste Art und Weise kanalisierten, die sie kannten.

Europäische Pop-Art

Die meisten europäischen Länder sind für ihre tief verwurzelten Traditionen in der bildenden Kunst bekannt. Von Gemälden bis zu Skulpturen, von Musik bis zu Tanz, Architektur, was auch immer. Interessanterweise hat die Pop-Art die Art und Weise, wie die Menschen Kunst wahrnehmen, nachhaltig verändert. In Frankreich entstand die Pop Art als Nouveau Realisme, der laut dem Kritiker Pierre Restany eine neue Art der Wahrnehmung des Realen darstellte. Im benachbarten Deutschland definierte der Kapitalrealismus Künstler mit amerikanischem Pop-Einfluss. Berühmte Namen in dieser Szene waren Gerhard Ritcher und Konrad Lueg, die die Bilder der Popkultur und der Fotografie studierten und sezierten.

Während sich die anderen europäischen Länder mit der Idee der Pop Art schwer taten, wurde sie in London mit offenen Armen empfangen. Diese überwältigende Akzeptanz ebnete den Weg für die Entwicklung der Pop Art, mit Künstlern wie David Hockney, Joe Tison und Billy Apple an der Spitze.

Obwohl die amerikanische Kunstgeschichte Vermutungen über die "Pop Art" in Europa anstellte, war nur London mit ganzem Herzen auf den Zug aufgesprungen. Andere europäische Städte bemühten sich, an ihre Kunstgeschichte der Vorkriegszeit anzuknüpfen. Die europäische Pop Art brauchte Zeit, um sich durchzusetzen, da das meiste, was wir aus dieser Region kennen, in der zweiten Hälfte der sechziger Jahre entstand. Mit London als Referenzstadt erlebte Europa einen Generationswechsel, der in der amerikanischen Pop Art nicht zu beobachten war. Während die Pop Art in den Vereinigten Staaten aufblühte, begann sie in London gerade erst.

Es ist nicht verwunderlich, dass sich die meisten Gespräche über die europäische Popkultur um London drehen - wo alles begann. Mehrere unabhängige Künstlergruppen des Institute of Contemporary Art trafen sich von 1952 bis 1955 in London. Zu diesen Künstlern gehörten Peter Blake, Allen Jones, R.J. Kital, David Hockney, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Reyner Banham und Lawrence Alloway. Bis heute feiert die Welt Richard Hamilton als den Begründer der Pop Art und als den Visionär, der die Vision, die Ziele und die Ideale umriss.

Lawrence Alloway, ein Kunstkritiker, wird immer in Erinnerung bleiben, weil er den Begriff "Pop Art" prägte. Später, im Jahr 1956, nahmen dieselben Künstler an einer Gruppenausstellung in der Whitechapel Gallery teil, die ein anderes Wort trug: "New Eden." Die Ausstellung befasste sich mit dem Amerika der Nachkriegszeit und seiner Konsumkultur, die alles und jedes möglich machte. In der Hauptrolle waren Robbie (der Roboter aus dem Film "Der verbotene Planet") als "Adam" und Marilyn Monroe als "Eva" zu sehen. Ein ungleiches Paar, das ohne Scham im Pop-Paradies leben konnte.

In den 60er Jahren übernahm London den Staffelstab von Amerika, da die meisten Entwicklungen der Pop Art von der Stadt ausgingen. England hatte sich von den Entbehrungen des Krieges erholt und schuf eine neue Generation der Popkultur. Es war eine Abkehr von den schönen Künsten, auf die die europäischen Länder seit Jahrhunderten stolz gewesen waren. In gewisser Weise verwandelte die neue Kunstform das, was als "niedrige" Kultur angesehen wurde, in "hohe" Kunst. Die Kunst kam von den jungen Menschen, die dieselben Produkte konsumierten. Einige bildende Künstler, darunter Bridget Riley, die mit ihren Op-Art-Gemälden in der aufkeimenden Modeszene für Aufsehen sorgte, schlossen sich diesem neuen Trend an. Die Klassenschranken, die der Kunst im Wege standen, zerfielen, als Künstler der "unteren" Klassen wie Michael Cain zu Ruhm gelangten. Im Gegensatz dazu definierte die Pop Art den Begriff des Künstlers neu und bezog Designer, Musikgruppen, Fotografen, Filmregisseure, Filmstars und viele mehr mit ein.

Der Einfluss des Pop war bis in die 70er und sogar bis in die frühen 80er Jahre zu spüren. In dieser Zeit trugen die Beiträge mehrerer Künstler wesentlich zur Definition der Pop Art bei. Einer der renommierten Künstler, Peter Blake, wird oft als "Godfather of British Pop Art" bezeichnet. In Anbetracht der Tatsache, dass er in einem Land geboren und aufgewachsen ist, das sich vom Krieg erholte, konzentrierte sich sein Interesse auf ein glückliches Leben. Seine Kunst war vielfältig und umfasste Zeichnung, Collage und Assemblage. Er verwendete verschiedene Materialien wie Papier, Holz, Stein und so ziemlich alles, was er fand. Manolo Valdez verwendete fast ähnliche Techniken, schöpfte aber aus der Kunstgeschichte, um Drucke, Gemälde und Skulpturen zu schaffen. Enrico Baj hingegen nutzte seine Werke, um Ironie und Sarkasmus darzustellen und den sozialen und gesellschaftlichen Kontext seines Heimatlandes Italien zu kritisieren.

In Europa führte die Pop-Art zu einer Spaltung zwischen den Gewinnern des Krieges (Amerika und England) und den Verlierern (Frankreich und Deutschland), was ihren Erfolg in London begründete, das sich dem westlichen Kapitalismus anschloss.

Asiatische Popkunst (Politischer Pop)

Asien ist mit dem Political Pop recht spät auf den Plan getreten. Der Begriff "Political Pop" wurde von Li Xianting, einem Kunstkritiker, geprägt, um die Werke chinesischer Künstler zu definieren, die den amerikanischen Pop-Stil in ihre Kunst einfließen ließen. Die Kunst war in erster Linie eine Aneinanderreihung von Propaganda-Ikonographie der Kulturrevolution.  Politischer Pop ist im Wesentlichen die Synthese aus westlicher Pop-Art und dem sozialistischen Realismus der maoistischen Ära. Ein großartiges Beispiel für politischen Pop ist das Porträt von Mao Zedong mit kommerziellen Symbolen populärer Marken wie Gucci und Coca-Cola. Der Expressionismus ist zweifellos ein Teil des politischen Pops, da er ironisch, schräg und mitunter humorvoll Kritik an der zunehmenden Faszination für Reichtum, Luxus und Sparsamkeit in der chinesischen Gesellschaft übt.


Die politische Kunst debütierte in China in den 1980er Jahren. Die erste politische Pop-Art war ein Porträt des chinesischen Führers Mao, das der chinesische Plastikkünstler Li Shan schuf. Er druckte, schnitt und klebte das Bild mit einer Blume im Mund auf einen acrylfarbenen Hintergrund. Dieses Werk wurde von den Porträts von "Mao" inspiriert, die Andy Warhol in den 1970er Jahren schuf.

Eine weitere bemerkenswerte Kreation war das Gemälde "Great Coca-Cola Criticism" von Wang Guangy. Das Gemälde ist eine authentische Darstellung des sozialen Realismus. Es zeigt chinesische Arbeiter, die rote Fahnen auf einem Stift mit dem berühmten Coca-Cola-Logo im unteren Teil des Bildes halten. Die Arbeiter erscheinen losgelöst vom Propagandaplakat. Wang Guangyi schuf beeindruckende Kunstwerke und beeinflusste als eines der Gründungsmitglieder von Shu Qun und Ren Jian die chinesische Avantgarde stark.
Wir dürfen nicht vergessen, Ai Weiwei zu erwähnen - ein chinesischer Bildhauer, Filmemacher, Musiker und Architekt, der mit seiner Arbeit für die Befreiung des chinesischen Volkes gekämpft hat. In seinem Aktivismus schuf er Fotografien, Videos, skulpturale Installationen und architektonische Projekte und übte offen Kritik an den Missständen der chinesischen Regierung. Sein amerikanischer Einfluss prägte seine Herangehensweise an die Avantgarde, die auch als Konzeptkunst bekannt ist. Ähnlich wie bei der Pop Art führte seine Auseinandersetzung mit der Kunst dazu, dass er Rohmaterialien als Objekte des Lebens betrachtete.
Takashi Murakami ist ebenfalls ein bedeutender Künstler der asiatischen Pop Art. Der japanische Maler und Bildhauer ist dafür bekannt, dass er Kommerz, bildende Kunst, japanische Ästhetik und Kulturkritik miteinander verbindet. Der Künstler wurde in Kunstkreisen in Japan und Amerika für sein einzigartiges Kunsthandwerk berühmt, das er in seinen überaus erfolgreichen Handtaschenentwürfen für Louis Vuitton zur Schau stellte. Seine Werke sind ein wesentlicher Bestandteil der politischen Kunst, da es ihm gelingt, die Grenzen zwischen bildender Kunst und niederer Kunst zu verwischen. Takashi Murakami hat einen unglaublichen Einfluss auf die junge Generation japanischer Künstler ausgeübt und sich den Titel "Godfather of Japanese Art" verdient.
Die politische Pop-Kunst ist nicht unumstritten. Kritiker werfen ihr vor, Propaganda und Konsumverhalten zu imitieren und Stereotypen zu verwenden, um die Anforderungen des westlichen Marktes zu erfüllen. Die Popkultur ist jedoch eine Reaktion auf die zunehmende Modernisierung der asiatischen Länder und bot den Menschen dort eine Möglichkeit, die Kulturrevolution zu akzeptieren. Obwohl sie etwas später als die Pop-Kunst in Amerika und Europa entstand, definiert sie, worauf sich die Asiaten beziehen, und schafft eine Verbindung zwischen ihnen und anderen Kulturen. Darüber hinaus schafft der politische Pop einen Kanal, der den Künstlern die Möglichkeit gibt, politische und soziale Themen zu hinterfragen, die sie und ihr Volk betreffen.
Die Pop Art hat es geschafft, eine identifizierbare Bildsprache wieder einzuführen und sich von der starren Definition von Kunst zu lösen. Sie beseitigte die Hierarchie der Kultur und führte einen Aspekt der Inklusivität in die gesamte Kunst ein. Auf diese Weise wurde es möglich, die Kultur kontinuierlich in ein fantastischeres und bedeutungsvolleres künstlerisches Spektakel zu verwandeln und sich gleichzeitig der Realität des Kapitalismus zu stellen. Da der Schwerpunkt darauf liegt, dem, was jede Gesellschaft für notwendig erachtet, einen Wert zu verleihen, ist das Potenzial der Pop-Art unerschöpflich. Noch besser ist, dass Künstler Dinge schaffen können, die über verschiedene Epochen und soziale Strukturen hinweg relevant bleiben. Heute halten mehrere ikonische Künstler das Feuer der Pop Art durch spannende und weithin akzeptierte Werke am Lodern.

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