Pop art en hoe de kunstwereld opnieuw werd uitgevonden

Kunst is alles wat we ervan maken. Het wordt bepaald door wat we opwindend of creatief vinden, en dat idee leidde tot de komst van pop-art. Pop-art ontstond in Groot-Brittannië als reactie op massamediaconsumptie en populaire cultuur. De reactie resulteerde in een beweging die sindsdien een revolutie teweeg heeft gebracht in de kunstwereld. Het onderscheidt zich van andere vormen van kunst door zijn felle kleuren en gedurfde, eclectische vormen, die sterk worden beïnvloed door de reclame-industrie.

Het ontstaan ​​van pop-art gaat terug tot de jaren vijftig, maar pas in de jaren zestig voelde de wereld zijn aanwezigheid in Amerika en Groot-Brittannië. Het begon als een verzet tegen de toen dominante benaderingen van kunst en cultuur. Een paar jonge kunstenaars daagden de traditionele ideologieën over wat kunst zou moeten zijn uit; ze waren van mening dat wat op kunstacademies werd onderwezen, de betekenis van kunst verkeerd voorstelde, aangezien niets ervan logisch voor hen was. De kunstacademie leerde over oude geschiedenis, terwijl musea voorwerpen en verhalen tentoonstelden die niet relevant waren voor hun leven. De jonge kunstenaars zochten naar herkenbare kunstbronnen, dingen waar ze dagelijks mee te maken hadden en om zich heen zagen. Ze zouden het hele concept opnieuw kunnen definiëren en zich kunnen wenden tot onconventionele bronnen zoals Hollywood-films, verzamelobjecten, productverpakkingen, advertenties, popmuziek en zo ongeveer alles wat hen zou kunnen inspireren.

Amerikaanse pop-art

In de beginfase was pop de visie van een paar artiesten en trok het niet helemaal de aandacht van het publiek. Geleidelijk aan vond het zijn plaats en daarna een overweldigende acceptatie als een vorm van kunst die relevant is voor de op massamedia gerichte Westerse samenleving.

De beweging, die begon als een reactie op de commercie, haalt haar iconografie uit de media, stripboeken, filmtijdschriften en elke vormen van reclame. Het hele concept was een poging om terug te gaan naar de objectieve en universeel aanvaarde kunst, terwijl de autoriteit van 'hoge kunst' die de samenleving in het verleden waardeerde, werd bekritiseerd. Het was stevig gebaseerd op het expressionisme en werd uiteindelijk een cultureel evenement vanwege de nauwe weerspiegeling van sociale instanties en gemakkelijk alomvattende beelden.

Er werd gezinspeeld op de komst van de pop-art door assemblages van Rauschenberg en Johns en aangekondigd door middel van uitvoerig geplande evenementen ontworpen door onder meer Allan Kaprow. De bedoeling was om de zintuigen van hun publiek te prikkelen door middel van surrealistische sculpturen. De beelden waren niet minder dan met vinyl beklede en met kapok gevulde, uitvergrote objecten, waaronder sigarettenpeuken en hamburgers. De techniek was commercieel en profiteerde van de constante aanwezigheid van de media om kunst voort te brengen die democratisch en niet-discriminerend was.

De popcultuur kwam in de schijnwerpers door het werk van verschillende kunstenaars. Roy Lichtenstein stond bekend om het opschalen van versies van individuele afbeeldingsbronnen uit commerciële stripboeken, terwijl hij ze samenvoegde met enkele van zijn referenties om ze te verheffen tot wat werd aangeduid als 'fijne kunst'. Aan de andere kant richtten Andy Warhol en James Rosenquist zich op de overvloed aan consumenten met letterlijke schilderijen en zeefdrukken van etiketten voor soepblikjes en rijen frisdrankflessen die het supermarkttijdperk uitbeeldden terwijl ze massaproductietechnieken nabootsten. Aan de andere kant produceerde Warhol Death and Disaster-zeefdrukken die verschillende verontrustende beelden van auto-ongelukken uit politiedossiers vertoonden. Hij maakte ook verschillende foto's van Marilyn Monroe. In zijn uitzonderlijke werk maakte hij gebruik van felgekleurde overlays.

Een paar andere kunstenaars, zoals Tom Wesselman, creëerden opvallende vormen van pop-art. Hij is beter bekend van de serie Great American Nude, die bestaat uit schilderijen van gezichtsloze sekssymbolen. Robert Indiana, een schilder, beeldhouwer en graficus, is vooral beroemd om zijn serie Love-sculpturen die op meer dan 30 locaties over de hele wereld te vinden zijn.

De vrijheid die pop-art met zich meebrengt, is goed merkbaar via Keith Haring. Haring maakte kunst, ook wel bekend als The Alphabet, waarbij heel weinig lijnen en primaire kleuren werden gebruikt. Meestal vormde zijn buitengewone kunst, voornamelijk cartoonachtige karakters, het "alfabet" van Haring. Deze vertelden sterke verhalen en maakten een statement op een manier die nog nooit eerder was gezien.

Dit zijn slechts enkele artiesten die een grote aanwezigheid en een enorme impact hebben gehad op de Amerikaanse pop-art. Deze solide basis legde de fundering voor de enorme acceptatie van pop-art in de 20ste eeuw, en trok massa's aan om hun creativiteit op de beste manier over te brengen.

Europese pop-art

De meeste Europese landen staan ​​bekend om hun diepgewortelde tradities in de beeldende kunst. Van schilderijen tot sculpturen, van muziek tot dans of architectuur, noem het maar op. Pop-art was standvastig in het veranderen van de manier waarop mensen kunst zagen. Pop-art ontstond in Frankrijk bekend als Nouveau Realisme, dat volgens criticus Pierre Restany een nieuwe manier was om het echte waar te nemen. In buurland Duitsland definieerde het kapitaalrealisme kunstenaars met een Amerikaanse pop-invloed. Bekende namen in de scene waren onder meer Gerhard Ritcher en Konrad Lueg, die het beeld van de popcultuur bestudeerden en ontleedden.

Terwijl andere Europese landen worstelden met het idee van pop-art, heeft Londen het omarmd. Deze overweldigende acceptatie maakte de weg vrij voor de ontwikkeling van pop-art, met artiesten als David Hockney, Joe Tison en Billy Apple op de voorgrond.

Hoewel de Amerikaanse kunstgeschiedenis aannames maakte over "pop-art" in Europa, gaf Londen zich volledig over aan de pop-art. Andere Europese steden richtten hun inspanningen op het versterken van hun band met hun vooroorlogse artistieke geschiedenis. De Europese popart had tijd nodig om aan te slaan, aangezien het meeste van wat we uit die regio weten, plaatsvond in de tweede helft van de jaren zestig. Met Londen als referentiestad, kwam er in Europa een generatiekloof tot stand, die niet werd gezien in de Amerikaanse pop. Terwijl de pop-art in de Verenigde Staten opbloeide, begon het nog maar net in Londen op te komen.

Het is niet verwonderlijk dat de meeste gesprekken over de Europese popcultuur rond Londen, waar het allemaal begon, plaatsvonden. Van 1952 tot 1955 kwamen verschillende onafhankelijke groepen kunstenaars van het Institute of Contemporary Art in Londen bijeen. Deze kunstenaars waren onder meer Peter Blake, Allen Jones, R.J. Kital, David Hockney, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Reyner Banham en Lawrence Alloway. Tot op heden viert de wereld Richard Hamilton als de grondlegger van pop-art en de visionair die de visie, doelstellingen en idealen schetste.

Lawrence Alloway, een kunstcriticus, zal altijd herinnerd worden voor het bedenken van de term 'pop-art'. Later, in 1956, namen deze kunstenaars deel aan een groepstentoonstelling in Whitechapel Gallery, ook wel "New Eden" genoemd. De show ging over een naoorlogs Amerika en zijn consumentencultuur die alles mogelijk maakte, met in de hoofdrol Robbie (de robot uit de film "The Forbidden Planet") met "Adam" en Marilyn Monroe als "Eve" een onwaarschijnlijk stel dat zonder schaamte in het Pop Paradise zou kunnen leven.

In de jaren 60 nam Londen het stokje over van Amerika, aangezien de meeste pop-art-ontwikkelingen vanuit deze stad kwamen. Engeland was hersteld van de ontberingen van de oorlog en creëerde een nieuwe generatie popcultuur. Het was een verschuiving van de schone kunsten waar Europese landen eeuwenlang op hadden geteerd. In zekere zin transformeerde de nieuwe vorm van kunst wat werd gezien als "minderwaardige" cultuur naar "hoge" kunst. De kunst kwam van de jongeren die dezelfde producten consumeerden. Een paar beeldende kunstenaars, waaronder Bridget Riley, wiens Op Art-schilderijen een statement maakten in de ontluikende modescene, stapten over op deze nieuwe trend. De klassenbarrières die de kunst in de weg stonden, brokkelden af ​​toen "lagere" klassekunstenaars zoals Michael Cain beroemd werden. Pop-art daarentegen heeft de term artiest opnieuw gedefinieerd en omvat ontwerpers, muziekgroepen, fotografen, filmregisseurs, filmsterren en nog veel meer.

De invloed van Pop was tot in de jaren 70 en zelfs begin jaren 80 aanzienlijk aanwezig. Tijdens deze periode hebben de bijdragen van verschillende kunstenaars een grote invloed gehad op het definiëren van pop-art. Een van de beroemde kunstenaars, Peter Blake, wordt vaak de "Godfather of British pop-art" genoemd. Gezien het feit dat hij is geboren en getogen in een land dat herstellende was van de oorlog, concentreerde hij zijn interesse op een gelukkige levensstijl. Zijn kunst was divers, met tekeningen, collages en assemblages, en gemaakt van verschillende materialen zoals papier, hout, steen of vrijwel alles wat hij vond. Manolo Valdez gebruikte vergelijkbare technieken, maar hij gebruikte de kunstgeschiedenis om prenten, schilderijen en sculpturen te maken. Aan de andere kant gebruikte Enrico Baj zijn werk om ironie en sarcasme uit te beelden en de sociale en burgerlijke context van zijn thuisland Italië te bekritiseren.

Pop-art in Europa zorgde voor een kloof tussen de winnaars van de oorlog (Amerika en Engeland) en de verliezers (Frankrijk en Duitsland). Hierdoor was het zo succesvol in Londen, dat het westerse kapitalisme omarmde.

Aziatische pop-art (politieke pop)

Azië arriveerde vrij laat op het feest met Politieke pop. De term "Politieke pop" werd bedacht door Li Xianting, een kunstcriticus, om de werken van Chinese kunstenaars die de Amerikaanse popstijl in hun kunst verwerkten, te beschrijven. De kunst was in de eerste plaats een nevenschikking van de propaganda-iconografie van de Culturele Revolutie. In wezen is Politieke pop de samensmelting van westerse pop-art met het socialistische realisme van het Maoïstische tijdperk. Een goed voorbeeld van Politieke pop is het portret van Mao Zedong met commerciële symbolen van populaire bekende merken zoals Gucci en Coca-Cola. Expressionisme is ongetwijfeld een onderdeel van Politieke pop dankzij de ironische, wrange en humoristische kritiek op de stijgende fascinatie voor rijkdom, luxe en soberheid van de Chinese samenleving.

Politieke kunst debuteerde in China in de jaren tachtig. De eerste politieke pop-art was een portret van de Chinese leider Mao, gemaakt door een Chinese plastic-kunstenaar Li Shan, die de afbeelding afdrukte, knipte en plakte op een acrylkleurige achtergrond met een bloem in zijn mond. Het stuk is geïnspireerd op de portretten van "Mao," gemaakt door Andy Warhol in de jaren 70.

Een andere opmerkelijke creatie was het schilderij "Great Criticism-Coca-Cola" van Wang Guangy. Het schilderij is een authentieke weergave van sociaal realisme. Het toont Chinese arbeiders met rode vlaggen op een pen met het beroemde Coca-Cola-logo onderaan het schilderij. De arbeiders lijken los van de propagandaposter te zijn. Wang Guangyi creëerde opvallende kunstwerken en had grote invloed op de Chinese avant-garde als een van de grondleggers van Shu Qun en Ren Jian.

We mogen niet vergeten Ai Weiwei te noemen - een Chinese beeldhouwer, filmmaker, muzikant en architect die met zijn werk heeft gevochten voor de bevrijding van het Chinese volk. Hij creëerde foto's, video's, sculpturale installaties en architecturale projecten in zijn activisme en bekritiseerde openlijk de misstanden van de Chinese regering. Amerikaanse invloed bepaalde zijn benadering van de avant-garde, ook wel bekend als Conceptuele kunst. Net als in de pop-art, zette zijn interacties met kunst hem ertoe om ruwe materialen als levensobjecten te beschouwen.

Takashi Murakami is ook een vooraanstaand kunstenaar in de Aziatische pop-art. De Japanse schilder en beeldhouwer staat ​​bekend om het mengen van commercie, beeldende kunst, Japanse esthetiek en culturele kritiek. De kunstenaar werd beroemd in kunstkringen in Japan en Amerika vanwege zijn unieke ambacht dat werd getoond in zijn overweldigend succesvolle handtasontwerpen voor Louis Vuitton. Zijn werken zijn belangrijk in de politieke kunst, omdat hij erin slaagde de grenzen tussen beeldende kunst en lage kunst te vervagen. Takashi Murakami heeft een ongelooflijke impact gehad op de jonge generatie Japanse kunstenaars en dit heeft hem de titel "Godfather of Japanese Art" opgeleverd.