Sam Francis

Untitled, 1984

106.7 X 73 inch

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Jeu d'ombres et géométrie: Les phénomènes optiques de la peinture Hard Edge

Shadow Play and Geometry: The Optical Phenomena of Hard Edge Painting

By Andrew Bay, UK

D'innombrables tentatives ont été faites pour définir une fois pour toutes ce que pourrait être l'art abstrait. Bien qu'il n'y ait pas de consensus final sur cette définition, nous pouvons plus ou moins accepter que l'art abstrait est un art qui ne cherche pas à produire une représentation explicite de la réalité visuelle, mais qui utilise plutôt les matériaux bruts des formes, des couleurs et des détails gestuels pour obtenir ses effets. Parmi les nombreuses écoles d'art abstrait qui ont fleuri au cours du XXème siècle, le Hard Edge vient à l'esprit, en particulier, pour les héros méconnus et les pionniers révolutionnaires qu'il a produits.

Il existe de grandes similitudes entre le Hard Edge et le Minimalisme qui sont souvent désignés de manière interchangeable. En effet, ils ne sont certainement pas mutuellement exclusifs l'un de l'autre et partagent un grand nombre de concepts et de principes esthétiques similaires. Mais revenons quelques décennies en arrière, avant le début du mouvement Hard Edge, pour examiner brièvement l'Abstraction Géométrique. Ce mouvement, véritable précurseur de la modernité, est né juste après le début du XXème siècle, au moment de la Grande Guerre. Les doctrines de l'Abstraction Géométrique consistaient principalement en l'étude de formes géométriques sans fioritures, dans des espaces sans illusions. En d'autres termes, l'Abstraction Géométrique se concentrait exclusivement sur les objets bidimensionnels : elle ne se préoccupait pas de l'espace tridimensionnel ni de la réalité pratique : L'Abstraction Géométrique était, bien souvent, entièrement non-objective. Kazimir Malevich et Piet Mondrian sont les deux plus célèbres représentants de cette tradition. Ils avaient tous deux la ferme intention de découvrir ce plan de réalité qui, selon eux, doit exister au-delà de ce monde désordonné de choses et d'objets tangibles dans lequel nous vivons. Et c'est le principe fondamental qui définit l'école de peinture Hard Edge : une tentative d'abstraction du sens et de la conception de l'œuvre d'art.  

Les artistes Hard Edge utilisent des bords nets et précis et des transitions inattendues dans leurs peintures, avec de grands espaces enfermés dans des couleurs plates. Leur préoccupation première était l'économie des formes à dominance géométrique, la rondeur des couleurs, qui peuvent devenir vives et saturées, l'absence de personnalité dans l'exécution. Les artistes du Hard Edge étaient unis dans leur refus de s'engager dans l'idée d'une paternité de leur œuvre : en un sens, ils étaient très "anti-peintres". Sur tous les plans de la surface, les peintres de Hard Edge ont conçu des structures, et souvent des systèmes entiers, pour déterminer comment leurs peintures peuvent être créées. Historiquement, deux écoles, sur les deux côtes américaines, annoncent cette nouvelle esthétique. Les 4 peintres Hard Edge du classicism abstrait de la côte ouest californienne étaient : Karl Benjamin, John McLaughlin, Frederick Hammersley et Lorser Feitelson; sur la côte Est, à New York, les 3 principaux peintres étaient Josef Albers, Ellsworth Kelly et Kenneth Noland.

Josef Albers est né en Allemagne en 1888 dans une famille de bricoleurs et de forgerons. Il a suivi une formation de graveur et de vitrailliste à Essen de 1916 à 1919. En 1920, il s'inscrit à la prestigieuse école d'art Bauhaus de Weimar, où il devient professeur de conception de meubles en 1925. Ses collègues au Bauhaus étaient des artistes qui allaient bientôt devenir célèbres dans le monde entier, tels que Paul Klee et Wassily Kandinsky. En 1933, Albers s'installe aux États-Unis pour échapper à la montée du nazisme en Allemagne. On lui offre un poste au Black Mountain College, un établissement d'arts libéraux situé en Caroline du Nord, où il compte Robert Rauschenberg et Cy Twombly parmi ses étudiants. Son œuvre la plus célèbre est sa série "Homage to the Square," qui est un exemple de composition Hard Edge. L'"Hommage" est essentiellement une superposition de 4 carrés de 18 pouces x 18 pouces, qu'il a peints continuellement au fil des années. Sur les tableaux, on y voit 4 plans de couleur différentes se superposent, dans le style typique de Hard Edge. Une célèbre citation d’Albers: "En fin de compte, l'étude de la couleur est l'étude de nous-mêmes."

Kenneth Noland est né en 1924 et a étudié l'art au Black Mountain College, en Caroline du Nord, son état d’origine, avec aucun autre que Joseph Albers lui-même. Parmi ses œuvres classiques de Hard Edge figurent ses séries "Targets" et "Stripes," dans lesquelles il s'est efforcé de supprimer toute texture, tout geste et tout contenu émotionnel de ses peintures.

Ellsworth Kelly est né en 1923 à Orange County, dans l'État de New York, dans une famille de la classe moyenne. Il a étudié l'art à l'École des Beaux-Arts de Boston et à la prestigieuse école des Beaux-Arts de Paris. Ses premières œuvres importantes sont une série de collages qu'il a réalisés en 1951 et qui ont été publiés dans un livre intitulé "Line Form And Colour". Ce travail est fortement influencé par les abstractions géométriques de Malevitch, et plus particulièrement sur les blocs de couleur pure avec une expérimentation méticuleuse des relations entre les couleurs. Il a progressivement écarté les structures formelles pour se concentrer davantage sur les associations aléatoires de toiles carrées distinctes ; "Colours For a Large Wall" (1951), pour laquelle il a conçu 64 toiles carrées distinctes, fusionnées en une seule unité, est une œuvre classique de Hard Edge. Elle incarne le concept de composition additive, où l'artiste commence par un motif et continue à ajouter de plus en plus d'éléments au dessin original. Ellsworth était particulièrement intéressé par la production d'œuvres "non-objectives", dont l’artiste pourrait être complètement retiré. Dans "Sculpture For a Large Wall" (1957), le placement aléatoire d'objets en tôle d'acier et d'aluminium dans des espaces négatifs et positifs crée une interaction saisissante entre les angles 3D et la réflexion de la lumière sur les tôles. Avec sa série "Red, Yellow, Blue" (1968), Kelly va plus loin et commence à penser en termes de création de nouvelles formes pour chaque tableau, dans le style de son contemporain Frank Stella. Il commence à l’expérimenter par la forme des toiles, en les transformant ainsi en objets et en les dépouillant de leur statut d'œuvre d'art.


Karl Benjamin

Karl Benjamin a été la voix la plus importante du mouvement Hard Edge West Coast. Enseignant de l'école primaire, devenu artiste autodidacte dans les années 1950, il est devenu le leader involontaire de l'école Hard Edge de la côte ouest californienne. Avec des couleurs vives et saturées, et une prédilection pour la peinture à l'huile par opposition à l'acrylique qu'il n'aimait pas particulièrement utiliser, il a développé un ensemble d'œuvres classiques Hard Edge, centrées sur l'étude de formes et de motifs géométriques trapézoïdaux, semblables à des carreaux. Benjamin et ses contemporains du Hard Edge réagissaient essentiellement contre l'expressionnisme abstrait et l'école de Jackson Pollock, qui mettaient trop l'accent sur l'exubérance émotionnelle. Les artistes du Hard Edge ont rejeté l’approche de la création artistique qui prétendait que "le processus était l'art". Ces peintres voulaient, au contraire, supprimer le développement de leur art, et supprimer la possibilité de choix de leur travail. Le mouvement Hard Edge s'intéressait à la peinture en tant qu'objet, ce qui pouvait se refléter dans la taille de la toile ou dans la façon dont elle était accrochée au mur. Ils se sont concentrés sur l'exploration de formes géométriques simples (comme l'a démontré Karl Benjamin) et sur la conception de systèmes de composition ordonnée. L'accès à l'espace créatif était interdit aux symboles et aux messages, et l'œuvre d'art était considérée comme purement autoréférentielle. Les artistes utilisaient un minimum de moyens pour produire leurs œuvres, telles que les textures, les lignes, les formes et les couleurs, dont la fonction avait été simplifiée pour devenir un simple matériau sur l'image globale. La répétition et les motifs étaient les seuls éléments de base nécessaires pour créer une approche entièrement nouvelle de la peinture moderne.

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