Sam Francis

Untitled, 1984

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Réinvention du monde de l'art : L'insurrection du Pop Art

Reinvention of the Art world: The Insurgency of Pop Art (Roy Lichtenstein CRAK !, 1963-1965)
L’art est tout ce que nous en faisons. Il est défini par ce que nous trouvons passionnant ou créatif, et c’est la même idée qui a conduit à l’avènement du pop art. Le Pop Art a émergé en Grande-Bretagne en réaction au consumérisme des médias de masse et à la culture populaire. La réponse a abouti à un mouvement qui a depuis révolutionné le monde de l’art. Il se distingue des autres formes d’art par ses couleurs vives et ses formes audacieuses et éclectiques, qui sont fortement influencées par l’industrie de la publicité.

La genèse du Pop art remonte aux années 1950, mais ce n’est que dans les années 1960 que le monde a senti sa présence en Amérique et en Grande-Bretagne. Cela a commencé comme une résistance contre les approches alors dominantes de l’art et de la culture. Quelques jeunes artistes ont défié les idéologies traditionnelles sur ce que l’art devrait être; ils estimaient que ce qui était enseigné dans les écoles d’art déformait le sens de l’art car rien de tout cela n’avait de sens pour eux. L’école d’art enseignait l’histoire ancienne tandis que les musées présentaient des objets et des récits qui n’étaient pas pertinents pour eux. Les jeunes artistes triaient pour trouver des sources d’art pertinentes, des choses avec lesquelles ils interagissaient et voyaient autour d’eux quotidiennement. Ils pourraient redéfinir l’ensemble du concept et se tourner vers des sources non conventionnelles telles que les films hollywoodiens, les objets de collection, l’emballage des produits, la publicité, la musique pop et à peu près tout ce qui pourrait les inspirer.
Pop Art américain

À ses débuts, la pop était l’idée de quelques artistes et n’a pas tout à fait attiré l’attention du public. Peu à peu, il a trouvé sa place et une acceptation écrasante en tant que forme d’art pertinente pour la société orientée vers les médias de masse des pays occidentaux.

Le mouvement, qui a commencé comme une réponse au mercantilisme, tire son iconographie des médias, des bandes dessinées, des magazines de cinéma, de toute forme de publicité. L’ensemble du concept était une tentative pour revenir à l’art objectif et universellement accepté tout en critiquant la suprématie du « grand art » que la société appréciait dans le passé. Il était fermement basé sur l’expressionnisme et est finalement devenu un événement culturel en raison de son reflet étroit d’instances sociales et d’images facilement complètes.

L’intention était de d'attirer leur public avec une stimulation sensorielle à travers des sculptures surréalistes. L’imagerie ne manquait pas d’objets agrandis recouverts de vinyle et bourrés de kapok, y compris des mégots de cigarettes et des hamburgers. La technique était précisément commerciale, profitant de la présence constante des médias pour faire émerger un art démocratique et non discriminatoire.
La culture pop est apparue sous les feux de la rampe à travers les œuvres de plusieurs artistes. Roy Lichtenstein était connu pour avoir mis à l’échelle des versions de sources d’images individuelles provenant de magazines de bandes dessinées tout en les fusionnant avec certaines de ses références pour les élever à ce que l’on appelait les «beaux-arts.» D’autre part, Andy Warhol et James Rosenquist se sont concentrés sur l’abondance des consommateurs avec des peintures littérales et des sérigraphies d’étiquettes de boîtes de soupe et de rangées de bouteilles de boissons gazeuses qui dépeignaient l’ère des supermarchés tout en imitant les techniques de production de masse.  Du côté obscur, Warhol a produit des sérigraphies Death and Disaster qui affichaient des images pénibles d’accidents de voiture provenant de dossiers de police. Il a également créé plusieurs photos de Marilyn Monroe.  Son travail exceptionnel consistait en des superpositions aux couleurs vives.
Quelques autres artistes, tels que Tom Wesselman, ont créé des formes saillantes de Pop art. Il est surtout connu pour la série Great American Nude qui comprend des peintures directes de symboles sexuels sans visage. Robert Indiana, peintre, sculpteur et graveur, est particulièrement célèbre pour sa série de sculptures Love trouvée dans plus de 30 endroits à travers le monde.
La liberté qui accompagne le pop art est assez perceptible à travers les oeuvres de Keith Haring. Aussi connu sous le nom de The Alphabet, Haring a fait de l’art en utilisant très peu de lignes et de couleurs primaires pour communiquer. Le plus souvent, ses oeuvres extraordinaires, principalement des personnages de bandes dessinées, composaient l’alphabet de Haring, racontaient des histoires fortes et envoyaient des messages d’une manière jamais vue avant.
Ce ne sont là que quelques-uns des artistes qui ont eu une présence significative et un impact massif sur le pop art américain. Cette base solide a préparé le terrain de la vaste acceptation du pop art au 20ème siècle, attirant les masses à canaliser leur créativité de la meilleure façon dont elles savent le faire.
Pop Art Européen

La plupart des pays européens sont connus pour leurs traditions profondément enracinées dans les beaux-arts. De la peinture aux sculptures, de la musique à la danse, de l’architecture, nommez-le. Fait intéressant, le pop art a tenu bon en changeant la façon dont les gens percevaient l’art.  Le pop art a émergé en France sous le nom de Nouveau Réalisme qui, selon le critique Pierre Restany, était une nouvelle façon de percevoir le réel. Dans l’Allemagne voisine, le réalisme capital a défini les artistes avec une influence pop américaine.  Parmi les noms célèbres de la scène figuraient Gerhard Ritcher et Konrad Lueg, qui ont étudié et disséqué l’imagerie et la photographie de la culture pop.
Alors que ces autres pays européens étaient aux prises avec l’idée du pop art, Londres l’a adoptée. Cette acceptation écrasante a ouvert la voie au développement du pop art, avec des artistes tels que David Hockney, Joe Tison et Billy Apple à l’avant-garde.

Bien que l’histoire de l’art américain ait fait des suppositions sur le « Pop Art » en Europe, seule Londres avait rejoint de tout cœur le mouvement. D’autres villes européennes ont orienté leurs efforts vers la reconnexion avec leur histoire artistique d’avant-guerre. Le pop art européen a mis du temps à prendre de l’ampleur car la plupart de ce que nous savons de la région a eu lieu dans la seconde moitié des années soixante.  Avec Londres comme ville de référence, l’Europe a connu une scission générationnelle jamais vue dans la pop américaine. Comme le pop art était florissant aux États-Unis, il ne faisait que commencer à Londres.
Il n’est pas surprenant que la plupart des conversations sur la culture pop européenne tournent autour de Londres, où tout a commencé. Plusieurs groupes indépendants d’artistes de l’Institute of Contemporary Art se sont réunis à Londres de 1952 à 1955.  Ces artistes comprenaient Peter Blake, Allen Jones, R.J. Kital, David Hockney, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Reyner Banham et Lawrence Alloway. À ce jour, le monde célèbre Richard Hamilton en tant que fondateur du Pop Art et visionnaire qui a décrit la vision, ses objectifs et les idéaux.

On se souviendra toujours de Lawrence Alloway, un critique d’art, pour avoir inventé le terme «Pop Art.» Plus tard, en 1956, les mêmes artistes ont participé à une exposition de groupe à la Whitechapel Gallery, avec un autre mot, «New Eden.»  L’émission couvrait une Amérique d’après-guerre et sa culture de consommation qui rendait tout et n’importe quoi possible. Il mettait également en vedette Robbie (le robot du film «The Forbidden Planet ») avec « Adam » et Marilyn Monroe dans le rôle d’Eve » - Un couple improbable qui pourrait vivre sans honte dans le Pop Paradise.


Dans les années 60, Londres a pris le relais de l’Amérique alors que la plupart des développements pop art prospéraient à partir de la ville. L’Angleterre s’était remise des privations de la guerre et créait une nouvelle génération de culture pop. C’était un changement par rapport aux beaux-arts dont les pays européens se vantaient depuis des siècles. D’une certaine manière, la nouvelle forme d’art a transformé ce qui était considéré comme une culture «basse» en art «élevé.» L’art est venu des jeunes qui consommaient les mêmes produits. Quelques artistes, dont Bridget Riley, dont les peintures Op Art ont fait des déclarations dans la scène de la mode en plein essor, sont passés à cette nouvelle tendance.  Les barrières de classe qui se dressaient sur le chemin de l’art se sont effondrées lorsque des artistes de classe « inférieure » tels que Michael Cain sont devenus des stars. En revanche, le pop art a redéfini le terme artiste pour inclure les designers, les groupes musicaux, les photographes, les réalisateurs, les stars de cinéma et bien d’autres.
L’influence de la pop a fait une présence significative jusque dans les années 70 et même au début des années 80. Au cours de cette période, les contributions de plusieurs artistes ont eu un impact significatif dans la définition du pop art. L’un des artistes renommés, Peter Blake, est souvent appelé le «parrain du pop art britannique.» Considérant qu’il est né et a grandi dans un pays qui se remet de la guerre, ses intérêts se sont concentrés sur un mode de vie heureux. Son art était diversifié, incorporant le dessin, le collage et l’assemblage, et fabriqué à partir de divers matériaux tels que le papier, le bois et la pierre, et à peu près tout ce qu’il a trouvé. Manolo Valdez a utilisé des techniques presque similaires, mais s’est inspiré de l’histoire de l’art pour créer des estampes, des peintures et des sculptures. D’autre part, Enrico Baj a utilisé son travail pour dépeindre l’ironie et le sarcasme et critiquer le contexte social et civil de son pays d’origine, l’Italie. 
Le pop art en Europe a apporté un fossé entre les gagnants de la guerre (Amérique et Angleterre) et les perdants (France et Allemagne), d’où son succès à Londres, qui a embrassé le capitalisme occidental.
Pop art asiatique (pop politique)

L'Asie est arrivée à la fête assez tard avec la pop politique. Le terme  "pop politique" a été inventé par Li Xianting, un critique d’art, pour définir les œuvres d’artistes chinois qui ont incorporé le style pop américain dans leur art. L’art était avant tout une juxtaposition de l’iconographie de propagande de la Révolution culturelle.  La pop essentiellement politique est la synthèse du pop art occidental avec le réalisme socialiste de l’ère maoïste. One great example of political pop is the portrait of Mao Zedong with commercial symbols of popular signature brands such as Gucci and Coca-Cola. L’expressionnisme fait sans aucun doute partie de la pop politique grâce à l’ironie, à l’ironie et aux exemples de critiques humoristiques contre la fascination croissante pour la richesse, le luxe et l’austérité de la société chinoise.

 L’art politique a fait ses débuts en Chine dans les années 1980. Le premier pop art politique était un portrait du dirigeant chinois Mao, qui a été créé par un artiste plasticien chinois Li Shan, qui a imprimé, coupé et collé l’image sur un fond de couleur acrylique avec une fleur dans la bouche. Cette pièce a été inspirée par les portraits de « Mao, » créés par Andy Warhol dans les années 1970.
Une autre création remarquable a été le tableau « Great Criticism-Coca-Cola » de Wang Guangy. La peinture est une représentation authentique du réalisme social. Il montre des travailleurs chinois tenant des drapeaux rouges sur un stylo avec le célèbre logo Coca-Cola dans la partie inférieure du tableau. Les ouvriers semblent détachés de l’affiche de propagande. Wang Guangyi a créé des œuvres d’art saisissantes et a grandement influencé l’avant-garde chinoise en tant que l’un des membres fondateurs de Shu Qun et Ren Jian.
Nous ne devons pas oublier de mentionner Ai Weiwei, un sculpteur, cinéaste, musicien et architecte chinois qui s’est battu pour la libération du peuple chinois à travers son travail. Il a créé des photographies, des vidéos, des installations sculpturales et des projets architecturaux dans son activisme et a ouvertement critiqué les abus du gouvernement chinois. Son influence américaine a conditionné son approche du domaine de l’avant-garde, autrement connu sous le nom d'Art Conceptuel. Comme le pop art, ses interactions avec l’art l’ont amené à considérer les matières premières comme des objets de vie.
Takashi Murakami est également un artiste de premier plan dans le pop art asiatique. Le peintre et le sculpteur japonais sont bien connus pour mélanger le mercantilisme, les beaux-arts, l’esthétique japonaise et la critique culturelle. The artist rose to fame among art circles in Japan and America for his unique craft showcased in his overwhelmingly successful handbag designs for Louis Vuitton. Ses œuvres sont substantielles dans l’art politique car il parvient à brouiller les frontières entre les beaux-arts et le bas art.Takashi Murakami a eu un impact incroyable sur la jeune génération d’artistes japonais et a gagné le titre de « Parrain de l’art japonais. »
Le pop art politique a reçu sa part de réactions négatives, les critiques affirmant que le mouvement imite la propagande et le consumérisme et utilise des stéréotypes pour répondre aux exigences du marché occidental. Cependant, la culture pop est une réponse à la modernisation effrénée des pays asiatiques et a créé un moyen pour leur peuple d’accepter la Révolution culturelle. Bien qu’il ait commencé un peu plus tard que le pop art en Amérique et en Europe, il définit ce à quoi les peuples asiatiques se rapportent tout en créant le lien entre eux et d’autres cultures.  De plus, la pop politique crée une chaîne qui permet aux artistes de remettre en question les problèmes climatiques politiques et sociaux qui les affectent, eux et leur peuple.
Le pop art a pu réintroduire des images identifiables et s’éloigner de la définition rigide de l’art. Il a éliminé la hiérarchie de la culture et introduit un aspect d’inclusion dans tout l’art. Ainsi, il a permis de transformer continuellement la culture en un spectacle artistique plus fantastique et significatif tout en faisant face à la réalité du capitalisme. En mettant l’accent sur l’instillation de valeur dans ce que chaque société juge nécessaire, le potentiel du pop art est inépuisable. Mieux encore, les artistes peuvent créer des choses qui resteront pertinentes à travers différentes périodes et différentes structures sociales.  Aujourd’hui, plusieurs artistes emblématiques maintiennent le feu du pop art à travers des œuvres passionnantes et largement acceptées.

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