Sam Francis

Untitled, 1984

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Comprender el Arte Conceptual, y cómo apreciarlo

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El arte conceptual es un movimiento artístico que conlleva cinismo y desconfianza. Para algunas personas es el fin de la creatividad y de la sensatez. Esto se debe a que consiste en hacer una obra de arte a partir de un único concepto sin que haga falta un objeto artístico. Y esto a muchos no les sienta bien.

No obstante, a pesar de esta reputación, tiene su atractivo. Pero, como puede ser ambiguo, a los recién llegados al mundo del arte es posible que les resulte difícil de entender. Continúa leyendo esta guía para saber qué es el arte conceptual, cuáles son sus orígenes y cómo puedes apreciarlo, entre otras cosas.

¿Qué es el arte conceptual? 
El arte conceptual se centra en el concepto en sí mismo y no en las piezas acabadas. Lo definió Sol Lewitt en 1967 en su revolucionario ensayo. Decía que su arte crea la idea del arte.

Muchas personas lo describen como un conjunto de estrategias, pero esto no está claro y puede resultar confuso. Por lo general, los artistas que emplean el arte conceptual planifican y toman decisiones antes de llevar a cabo sus obras. A este planteamiento es a lo que se le llama conjunto de estrategias.

Esto es una lista de cosas que se describen como arte conceptual:
•    Arte corporal
•    Dibujos de arquitectura 
•    Documentos
•    Performance
•    Fotografía 
•    Escultura 
•    Música 
•    Movimiento 
•    Espectáculos 
•    Instalación 
•    Arte ambiental 

Cabe añadir que, al definir el arte conceptual, la técnica que emplea un artista no juega un papel significativo. Es por eso por lo que una forma física, aunque muchos piensen que es un arte conceptual, no se considera tal.

Un artista puede usar cualquier técnica para mostrar su visión a través del arte conceptual. El objetivo suele ser desafiar a los que observan la obra para que se fijen en diferentes características o crear arte a partir de temas controvertidos.


¿Cuáles son las características del arte conceptual? 
Aunque el arte no puede ser igual, cada estilo tiene rasgos únicos. El arte conceptual casi siempre incluye:

  • Humor: muchos artistas conceptuales usan el humor para transmitir un concepto. Suelen burlarse de una idea.
  • Pensamiento: el arte conceptual es un estilo que te hace pensar. Hace a los espectadores cuestionarse la idea que hay detrás de la obra o de su reflejo en la sociedad, entre otras cosas.
  • Tiempo: los artistas conceptuales casi siempre quieren expresar cómo la idea, el espacio, las personas, etc., cambian con el tiempo.
  • Espacio: el objetivo suele ser dirigir la atención del espectador al espacio que rodea la pieza más que a la pieza en sí. O hacer que se concentren en un espacio específico que contiene la obra de arte.

 

El motivo que había detrás del desarrollo del arte conceptual era desafiar a la percepción y a las normas del arte tradicional. No obstante, cabe destacar que una obra de arte no debe mostrar las características arriba mencionadas para que se considere una idea. Se puede considerar arte conceptual, aunque no muestre las características de arriba.

Los orígenes del arte conceptual
Fountain fue la primera obra que Duchamp hizo en 1917. Incluía más cosas aparte de urinarios de porcelana y se le llamó escultura confeccionada. Esto quiere decir que era una escultura para la que el artista escogía una pieza que ya existía y hacía algunas modificaciones.

Duchamp hizo muy pocos cambios en este objeto. Lo más notable fue darles la vuelta y firmar con el pseudónimo de R. Mutt. Después lo envió a la Sociedad de Artistas Independientes en Nueva York como obra de arte.

Pero este arte no tenía nada que ver con lo que se espera encontrar uno en una galería. No era una escultura ni una pintura. El artista simplemente escogió un objeto y lo puso en un pedestal. Por tanto, apenas había destreza y, lo peor, es que Duchamp no lo firmó con su nombre. En su lugar, firmó con R. Mutt como una broma, ya que Mutt era una empresa que fabricaba equipamientos sanitarios.

Su intención fue poner a prueba a la Sociedad de Artistas Independientes y ver cómo reaccionaban a la exhibición. Él sabía que había roto las reglas de la sociedad al enviar Fountain a la exposición.

No obstante, ten en cuenta que Marcel no estaba compitiendo con el arte tradicional. Él quería hacer una reivindicación sobre el arte: si un artista afirma que la obra es arte, entonces reunirá los requisitos para ser arte.

A partir de entonces, se crearon muchas obras bajo el nombre de arte conceptual. Ahora vemos que, aunque el arte conceptual fue visto por primera vez en 1917, hasta las décadas de los 60 y 70 no se empezó a aceptar. Sin embargo, desde su consolidación, muchos artistas han desarrollado otros estilos y movimientos artísticos.


Movimientos que inspiraron al arte conceptual
Hubo varios movimientos y estilos que inspiraron al nacimiento del arte conceptual, como por ejemplo:
•    El minimalismo
•    El fluxus 
•    El neodadaísmo
•    El arte pop 
•    El surrealismo
•    El expresionismo abstracto


Aunque algunos de estos movimientos ocurrieron en la misma época que el arte conceptual, todos empezaron antes de que este tipo de arte se definiera y se desarrollara como expresión artística.

También hay que añadir que, cuando se aceptó el arte conceptual, muchas personas cambiaron su punto de vista sobre el arte y el artista. Por ello, influyó a la hora de crear y cambiar diferentes estilos y movimientos artísticos.

Estos son algunos de los estilos y movimientos artísticos que se inspiraron en el movimiento del arte conceptual:
•    Feminismo 
•    Problemas social
•    Arte encontrado 
•    El arte de pintar cuadros 
•    Identidad política 
•    Crítica institucional 
•    Instalaciones artísticas


Arte conceptual y minimalismo
El arte conceptual se basa en algunos movimiento siendo el minimalismo el más significativo. Esto se debe a que este tipo de arte fue rechazado, ya que necesitaba una técnica convencional para producir instalaciones increíbles y valiosas.

 

El concepto minimalista tenía como objetivo reducir una obra de arte al mínimo. El arte podía llegar tan al mínimo que solo se desarrollaba el concepto y no se producía ninguna forma tangible.

Ten en cuenta que todo el arte, de una manera u otra, es conceptual, ya que se basa en un concepto. No obstante, los artistas que practican el arte conceptual dicen que el concepto en sí ya es arte.

Desfragmentando el arte conceptual 
Se desarrollaron diferentes subcategorías según continuaba creciendo. El arte conceptual de los años 60 y 70 se puede asignar a tres subgrupos. Pero hay que añadir que se puede definir el arte conceptual de manera más fácil con varias categorías diferentes, como:

  • Como Idea: esta instalación u obra cuestiona continuamente su propósito.
  • Como Idioma y Palabras: expresa textos, ya sean a través de la pintura, arte digital o varias técnicas.
  • Ideas como Fotografías: el arte conceptual se suele basar en ideas o conceptos. Los artistas lo combinan con la modalidad del performance para dar voz a su visión. De ahí que documenten el performance mediante películas o fotos o vídeos. 


Un ejemplo de estas subcategorías es Living Series de Jenny Holzer en el que expresa el arte como un idioma. En esta obra, la artista describe las necesidades de la vida con placas de bronce en las que hay frases cortas. Otro ejemplo es Statements de Lawrence Weiner. Aquí, el arte representa al arte como una idea, ya que explica las ideas y los conceptos en pequeños enunciados.

 

El ejemplo del arte como fotografía lo vemos en Every Building on the Sunset Strip de Edward Ruscha. Instaló su cámara en su camioneta y la utilizó para tomar fotos para documentar esta obra.


Pero vale la pena decir que el arte conceptual no está muy bien definido. Por eso, puede ser cualquier cosa fuera de estas tres subcategorías que hemos visto. Si una persona dice que su obra es arte, será arte. Por eso cuesta tanto apreciar el arte conceptual.

6 Obras maestras del arte conceptual

#1. Red Square, White Letters (1962) de Sol LeWitt 

Según Sol LeWitt, el color en una obra llama la atención sobre las propiedades físicas del arte en lugar de la idea. Por eso hizo esta obra con los nombres de los colores sobre ella.

En vez de que los espectadores respondan a la percepción de un color, se les obliga a pensar en la idea que tienen de ese color y cómo el lenguaje los delimita. Paragraphs of Conceptual Art de 1967, que apareció en la revista Artforum, expresaba los puntos de vista de muchos artistas conceptuales. Sol LeWitt explica aquí que el concepto o idea es el elemento más importante del arte conceptual. Por eso, el artista planea y ejecuta antes incluso de comenzar a trabajar en la obra.

#2. One and Three Chairs (1965) de Joseph Kosuth 
En esta obra, Kosuth exhibe una silla física y la definición de esta, y pide a los espectadores que identifiquen la silla real. Tanto la silla física como la definición de silla podrían ser una reproducción de la otra. Por tanto, es igual que el arte, ya que un objeto es ya arte pero al mismo tiempo manifiesta el concepto de arte.

#3. Measurement Room (1969) de Mel Bochner 
En 1940, Bochner comenzó su serie Measurement en la que documentó paredes de museo y las dimensiones de los marcos de las puertas. Exhibió estas medidas con cinta adhesiva e indicándolas en las habitaciones que medía.

En este arte, en primer plano tenemos una línea negra y distintas medidas que recorren toda la pared. Se pueden ver las mismas líneas en paredes que van del suelo al techo y en los marcos. Aunque Bochner no crea el espacio, obliga a los espectadores a pensar de manera diferente.

Él se centra en el espacio como concepto conceptual y analiza las instituciones que definen el arte en esta obra.

#4. Following Piece, 1969 de Vito Acconci 
Following Piece documenta una actividad que sucedía cada día en Nueva York entre el 3 y el 25 de octubre de 1969. Fue uno de los eventos conceptuales y de performance con el patrocinio de la Architectural League of New York. Acconci seguía a las personas y anotaba sus experiencias. Utilizó el cuerpo como objeto artístico para explorar un concepto. Esta obra de arte se centra en nuestro lenguaje corporal, pero en el ámbito público en vez de en el privado.

Acconci seleccionaba a un transeúnte cualquiera, seguía sus movimientos en público hasta que entraban a un lugar privado. Con estas observaciones pretendía demostrar que nuestros cuerpos están sujetos a fuerzas externas que a veces no podemos controlar.

#5. 18. Feb 1973 de On Kawara 
A diferencia de Bochner, que se centraba en medir el espacio, el enfoque de On Kawara estaba en medir el tiempo. Pintó en un lienzo la fecha de 4 de enero de 1966. Después repitió lo mismo durante días después en su serie Today o Date Paintings.

Sus cuadros se guardan en cajas de cartón hechas a mano con periódicos de los días que fueron diseñados. Algunas incluso tienen epígrafes de algún evento o de algo que pasó ese día.

#6. Rhythm 10, 20 Knives, Tape Recorder (1973) de Marina Abramovic 
Abramovic es conocida por sus grandes contribuciones al arte del performance. Esta obra fue de las primeras incursiones que basó en instalaciones sonoras. No obstante, también usó su cuerpo, provocándole heridas.

Marina aquí utiliza 20 cuchillos que clava entre los espacios de sus dedos rápidamente. Cuando se atravesaba la piel, cambiaba de cuchillo, pero no de los que estaban delante de ella.

El arte conceptual altera los reclamos de las normas e ideas tradicionales del arte a lo que estamos acostumbrados. Nos muestra diferentes creaciones y perspectivas del arte. La idea que hay detrás del movimiento artístico conceptual se inspiró en el minimalismo.

Desde que se definió, los artistas han utilizado diferentes estilos para crear sus obras. Por tanto, podemos concluir que el arte conceptual es importante y, aunque polémico, permanecerá entre nosotros. 

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