Obsession et passion: le monde visionnaire d'Alberto Giacometti

À la fin des années 1950, l'atelier d'Alberto Giacometti à Paris était un paradis sûr pour certains des plus grands artistes et écrivains du 20ème siècle. Jean Genet, le grand romancier et dramaturge, a dit un jour : "L'atelier de Giacometti était un chaudron magique d'où il pouvait tirer un art prodigieux d'une décharge désordonnée." Du plâtre mélangé à de la peinture et toutes sortes de matériaux éparpillés, remplissaient le sol de l'appartement du sculpteur, alimentant sa frénésie d'élans créatifs. Ce chaos finissait par trouver sa place sur un cadre qui prenait une forme permanente, le grand art naissant inévitablement de rebuts et de débris.

Giacometti est né en Suisse en 1901, fils d'un peintre bien connu, il s'intéresse à la sculpture dès son plus jeune âge et décide de devenir peintre à l'âge de 14 ans. Adolescent, il s'inscrit à l'École des Beaux-Arts de Genève, puis s'installe à Paris en 1923 pour étudier avec Émile Bordelles, un ancien protégé du grand sculpteur Auguste Rodin.

À Paris, Giacometti se trouve rapidement attiré par la scène naissante des mouvements surréaliste et cubiste. De jeunes artistes révolutionnaires tels que Balthus, Pablo Picasso et Joan Miro sont à la pointe du développement de techniques radicalement nouvelles dans le domaine de la sculpture et de la peinture.

Les sculptures en plâtre de Giacometti étaient fondées sur son amitié étroite avec André Breton et l'étude de ses essais sur la nature de l'inconscient et des rêves. Cela a conduit Giacometti à abandonner progressivement les techniques traditionnelles de la sculpture figurative et à se baser exclusivement sur les visions produites par son imagination pour ses œuvres futures. Au cours de la première étape de cette période de développement, il s'est principalement intéressé à l'anatomie humaine, aux têtes, aux bras et aux jambes, aux membres. Avec "Femme égorgée" (1932), Giacometti explore les thèmes de la mort et de la folie, dans le contexte des tensions politiques croissantes qui pèsent sur les États de la nation européenne dans les années 30. Quelques années plus tard, "Hands Holding the Void and Imaginary Objects" (1934) évoque le lien entre les expériences sensorielles de la vue et du toucher. Avec cette œuvre, Giacometti tente d'explorer la manière dont les objets conçus dans notre imagination peuvent devenir identiques à des sensations physiques.

Au début de la Seconde Guerre mondiale, Giacometti décide de retourner en Suisse où il rencontre Annette Arm, une jeune secrétaire qui deviendra son modèle préféré tout au long de sa vie. Le couple tombe immédiatement amoureux et se marie peu après la fin de la guerre, en 1949. Cette période marque une transition cruciale dans l'œuvre de Giacometti, qui s'est lancé dans un processus de production de pièces de plus en plus petites : ses peintures et ses sculptures ont tout simplement commencé à rétrécir, un processus sur lequel il prétendait n'avoir aucun contrôle, mais dont il se sentait irrésistiblement obligé de poursuivre.

Peu après son retour à Paris en 1945, Giacometti a eu une épiphanie au cours de laquelle il a réalisé que son travail, jusqu'alors, n'avait été que de nature cinématographique. Il est saisi par une vision qui lui révèle que le monde physique qui l'entoure est "détachable du temps et de l'espace." Il se sent envahi par un sentiment d'effroi, à l'idée qu'il avait, jusqu'alors, profondément mal interprété la vraie nature de la réalité.

Cette nouvelle impulsion à séparer le temps de ses expériences sensorielles a été une totale révélation, qui a ouvert une nouvelle phase d'immobilité dans son travail. Il est désormais capable de libérer l'essence sculpturale d'un objet de ses observations et de sa présence réelle. Cette percée lui a permis d'inverser la dérive vers des figures plus petites qu'il avait entamées pendant son séjour en Suisse, et de recommencer à construire des modèles plus grands.

Il s'est avéré que cette poussée de croissance verticale l'a orienté vers la conception de productions plus fines, de sculptures allongées et hérissées qui ont contribué à la notoriété croissante de Giacometti dans le monde de l'art. Bien qu'il ait continué à vivre modestement, il a noué des amitiés durables avec les penseurs et les artistes les plus créatifs vivant à Paris à cette époque : Pablo Picasso, Samuel Beckett, Sartre et Simone de Beauvoir se rendaient régulièrement dans son atelier où ils avaient l'habitude de se rencontrer.

Dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, les Existentialistes et les Modernes étaient devenus très actifs et de plus en plus influents avec la production de leurs nouveaux idiomes et concepts philosophiques. Giacometti voulait participer à la définition d'une nouvelle approche sculpturale pour une nouvelle ère. Ses œuvres s'attaquent à un monde d'après-guerre rempli d'angoisse et d'incertitude. Il a utilisé ces sculptures uniques pour révéler ouvertement la nature torturée du conflit inhérent à la tentative de créer un sens collectif après les horreurs de la guerre. Il a créé un sens multifiguratif de l'emplacement et de la dislocation pour appréhender l'ambiguïté sociale dans laquelle lui et ses contemporains vivaient désormais. Au cours des décennies qui ont précédé la guerre, Giacometti s'est révélé être un artisan habile, bien qu'il se soit inscrit dans le moule des traditions cubistes et surréalistes.

À partir des années 1960, il a pu créer un lexique visuel tout à fait original, en concentrant son regard sur l'interaction entre l'objet modelé et l'espace dans lequel il se trouve. Sartre a dit que les œuvres de Giocometti "oscillaient toujours entre le néant et l'être." Cela est confirmé par le fait que Giacometti a notoirement retravaillé sans cesse les mêmes motifs pour ses sculptures, dans une tentative obsessionnelle de capturer les visions fugaces qui occupaient continuellement son esprit. Les proportions et la distance vont constamment de l'une à l'autre, dans ses figures, et en les regardant de près, nous pouvons parfois avoir l'impression de regarder un objet situé à 30 mètres de distance. Le fil conducteur constant de l'art de Giacometti est qu'il revient toujours à un espace où il combine à la fois communauté et isolement. Il les extrait de l'atmosphère d'une ville où un homme marche, ou un nu féminin, ses modèles favoris, deviennent la genèse de multiples séries, d'œuvres stellaires faites de cendres, de structures en voie de désintégration. Des répétitions infinies de modèles en plâtre, de taille et de portée variables, forment une continuité, du naturalisme délicat aux abstractions très détaillées.

Face à cette œuvre, on ne peut s'empêcher de ressentir ce que Giacometti lui-même disait de son travail : "L'art est seulement un moyen de voir. Peu importe ce que je regarde, tout me surprend et m'échappe."

By Andrew Bay, UK