Sam Francis

Untitled, 1984

106.7 X 73 inch

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10 femmes dans l’art au XXème siècle

Les clusters urbains et les terrains vagues du Nouveau Mouvement de la Sculpture Britannique

The Urban Clusters and Pop Wastelands of the New British Sculpture Movement

By Andrew Bay, UK

Au début des années 1980, un nouveau groupe de jeunes sculpteurs britanniques dynamiques s'est imposé sur la scène artistique mondiale. Leur travail se caractérise par une répudiation du mouvement minimaliste en sculpture. Ces jeunes sculpteurs ont remplacé les conventions stylistiques de l'école minimaliste par un effort concerté du retour à des matériaux, des méthodologies et un symbolisme plus conventionnels. Dans l'ensemble, les années 1980 ont reflété un changement culturel important dans le monde de l'art. La prédominance de l'art conceptuel et minimaliste a commencé à décliner, laissant la place à de nouvelles idées et perspectives, comme le néoréalisme et le néo-expressionnisme en peinture par exemple. Les nouveaux sculpteurs britanniques sont unanimement revenus à une variété de techniques et de matériaux de conception, comme la gravure sur marbre et un nouvel intérêt pour la ciselure de la pierre. Les représentations allégoriques ont réintégré le discours général, ainsi que les légendes et les noms lyriques des œuvres que les artistes produisaient. C'est dans ce contexte qu'un groupe de jeunes artistes britanniques s'est imposé au milieu des années 1980, sous la bannière des New British Sculptors.


Stephen Cox

Né en 1946 à Bristol et formé à la School of Art and Design de Londres, Stephen Cox est un artiste britannique dont l'œuvre est spécialisée dans les sculptures impériales en pierre de porphyre. Son intérêt pour la pierre de porphyre, un genre de matériau spécifique, connu pour sa consistance très dure, remonte à une exposition à laquelle il a participé au Palazzo Reale au début des années 1980. Jusqu'alors, Cox s'était surtout concentré sur des œuvres conceptuelles et minimalistes, qui tournaient essentiellement autour d'installations en plâtre et de processus de construction. Lors de ses déplacements en Italie à l'occasion de l'exposition Palazzo Reale, il a visité les carrières de calcaire à Milan et à Florence dont les grands architectes de la Renaissance avaient extrait leur matériau. C'est avec ce fil historique en tête qu'il a commencé à créer les sculptures qui sont devenues ses œuvres phares : "Atyeo" (1986), "Hymne" (1990), "Porphyre pérégrin" (2017). Le travail de Cox explore les idées de discontinuité et de fragmentation dans la production de pièces sculpturales, ainsi que la créativité inhérente à l'archéologie contemporaine.

Tony Cragg a été formé au Royal College of Art de Londres. Né en 1949 à Liverpool, il a toujours été conscient, en tant qu'étudiant en art, que la génération qui avait précédé la sienne avait créé des développements extrêmement importants dans l'art moderne. L'ombre de l'art conceptuel et minimaliste plane sur la génération de l'après-guerre. Mais Cragg n'avait aucun intérêt à suivre les traces des maîtres minimalistes. Il a ensuite développé une amitié à vie avec ses collègues sculpteurs Richard Deacon et Bill Woodrow, qui partageaient le même manque d'intérêt pour les réalisations de la génération précédente. Cragg refuse de se considérer comme un artiste "conceptuel". Il considère plutôt son travail comme un processus d'apprentissage continu. Ce parcours l'a mené de la construction de sculptures à partir d'objets trouvés au début de sa carrière à la création exclusive d'œuvres originales à partir de rien. En utilisant des matériaux précieux tels que le bronze, son travail s'est récemment concentré sur la recréation du mouvement à travers des formes physiques. Mais sa série "Early Forms" (2015), ne cherche pas nécessairement à enfermer le mouvement en tant que tel: elle reflète plutôt la manière unique de Cragg d'insuffler à quelque chose de complètement immobile, comme une sculpture, avec un potentiel intemporel de dynamisme et de mouvement.

 


Richard Deacon

 

Dans l'œuvre de Richard Deacon, des formes substantiellement grandes, qui semblent légères comme des plumes, apparaissent rapidement avant que leurs coquilles ne se désagrègent comme des squelettes. Leurs intérieurs rudimentaires, faits d'acier embouti, affichent une grâce animée constante qui les caractérise. Deacon est un autre membre illustre du groupe des New British Sculptors. Né en 1949 et formé au Royal College of Art, comme son proche ami Tony Cragg, il a rapidement trouvé sa voie en privilégiant des œuvres dépouillées, qui dissimulent habilement le travail qui a présidé à leur fabrication. “Fabrication" est un mot que Deacon affectionne particulièrement. Il ne se considère pas tant comme un sculpteur ou comme un "fabricant". Selon ses propres mots: "J'aime bien le double sens du mot "fabricateur": une fabrication est quelque chose d'inventé, ainsi que quelque chose de construit." Deacon voit la fabrication comme quelque chose que vous pouvez utiliser pour raconter des histoires qui peuvent être complètement inventées, qui peuvent n'avoir aucun rapport avec la vérité, ou qui peuvent aussi être la vérité pure et simple. Les principales expositions de Deacon comprennent "Struck Dumb" (1987), "Lock" (1988) et "Mammoth or Fold" (1990), un paravent géant en céramique de 12 tonnes. Pour Deacon, l'excitation qu'il ressent lorsqu'il découvre de nouvelles formes et idées est aussi contagieuse qu'au début de sa carrière. Sa curiosité insatiable fait de lui l'un de ces rares artistes, qui confondent constamment nos attentes.


Bill Woodrow

Bill Woodrow a toujours attaché une grande importance à ce qu'il appelle sa "pratique du dessin". Sa méthodologie est restée relativement constante tout au long de sa carrière, Elle consiste en l'application méticuleuse d'un processus en trois parties à tous ses projets : observation, compréhension et documentation du sujet étudié. La résolution de la tension qui réside entre la communication verbale et visuelle est au cœur des préoccupations stylistiques de Woodrow. En tant qu'observateur, Woodrow insiste sur le fait que l'aspect le plus important de son travail est d'obtenir autant de données possible, non seulement sur le modèle représenté, mais aussi, et surtout, sur le contexte ou l'environnement qui peut entourer le modèle. Né en 1948 à Oxford et formé au Saint Martins College of Art de Londres au début des années 1970, Woodrow peut facilement être considéré comme le dernier représentant clé de la nouvelle école de sculpture britannique. Sa première exposition personnelle, qui s'est tenue à Londres en 1972, consistait principalement en un montage d'objets trouvés, de sculptures et d'installations. Woodrow a toujours été naturellement attiré par la rigueur de la contextualisation narrative. Cette approche a culminé dans son œuvre "Regardless of History," réalisée en 2000, qui mettait en scène une catastrophe climatique fictive. Malgré la production d'œuvres hautement conceptuelles, Woodrow est toujours resté un défenseur passionné du dessin d'observation, qu'il recommande à tous ses étudiants. Il est également célèbre pour son utilisation originale du miel comme matériau de peinture. Il aime particulièrement les couleurs remarquablement riches qu'il produit et l'épaisseur de la texture du miel.  Parmi ses œuvres majeures, citons "Brixton Boys Street Noise," une installation basée sur des écrans de télévision brisés, "In Awe of the Pawnbroker," qui consiste en cinq unités en bronze reliées par des chaînes métalliques et cadenassées ensemble, et "In Your Face," un masque en acier inoxydable qui est le résultat d'une de ses nombreuses collaborations avec son ami Richard Deacon.

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