¿Qué es el arte corporal?

Práctica ancestral, movimiento radical

Marcar, pintar y modelar el cuerpo humano figura entre los impulsos artísticos más antiguos que conocemos: desde los tatuajes de Ötzi, el Hombre de Hielo, hasta la escarificación ritual y la pintura corporal ceremonial en distintas culturas. Pero el body art como movimiento con nombre propio pertenece a las décadas de 1960 y 1970, cuando una generación de artistas rechazó el mercado del arte basado en el objeto y recurrió al único material que ninguna galería podía almacenar: su propia carne.

El giro tenía precedentes. Las Anthropométries de Yves Klein de 1960 —en las que modelos desnudas, cubiertas con su pigmento azul patentado, se presionaban contra el lienzo— trataban el cuerpo como un pincel viviente. Los accionistas vieneses escenificaron rituales viscerales de sangre y resistencia corporal, mientras que el grupo japonés Gutai ya había usado el cuerpo para atacar, perforar y atravesar materiales en los años cincuenta.

La generación de la resistencia

A comienzos de los años setenta el propio cuerpo se había convertido en la obra. Chris Burden se hizo disparar en el brazo (Shoot, 1971) y crucificar sobre un Volkswagen (Trans-fixed, 1974). Vito Acconci se mordió el propio cuerpo y realizó moldes de las marcas. Gina Pane se cortaba con cuchillas de afeitar en 'acciones' cuidadosamente coreografiadas, y Marina Abramović puso a prueba los límites de la conciencia y la complicidad del público en obras como Rhythm 0 (1974), en la que se invitaba a los visitantes a usar 72 objetos —incluida una pistola cargada— sobre su cuerpo pasivo. Ana Mendieta imprimió su silueta en tierra, sangre y fuego, fusionando el body art con el land art y el ritual.

Estas obras planteaban preguntas difíciles: sobre el dolor, el género, el control, la mirada y qué es realmente una obra de arte cuando no queda nada físico. Artistas posteriores extendieron la lógica: ORLAN convirtió la cirugía estética en performance en directo retransmitida a galerías, y los practicantes contemporáneos trabajan con tatuaje, prótesis y biotecnología.

Para los coleccionistas, esta historia importa porque explica qué sobrevive. El body art fue a menudo deliberadamente efímero, lo que significa que el mercado que creció a su alrededor es un mercado de huellas: fotografías, películas, reliquias, dibujos y partituras. Comprender los orígenes anticomerciales del movimiento es el primer paso para coleccionarlo con inteligencia, tema de la siguiente pestaña.

Qué se adquiere realmente

Dado que la obra era con frecuencia un acontecimiento en vivo e irrepetible, coleccionar body art casi siempre significa coleccionar su residuo. Las categorías principales son: documentación fotográfica (a menudo publicada en ediciones firmadas y numeradas), transferencias de película y vídeo, reliquias o utilería de las performances, dibujos preparatorios y partituras, y —en el caso de prácticas como las Anthropométries de Klein— el propio soporte marcado, que funciona como una obra única convencional.

Las ediciones fotográficas son la columna vertebral de este mercado. Preguntas clave: ¿La copia fue autorizada por el artista o su legado? ¿Es una copia de época realizada cerca de la fecha de la performance o una edición posterior? ¿Quién sostenía la cámara: el artista, un colaborador designado o un miembro del público? Las copias sancionadas por el artista y acompañadas de un certificado firmado tienen sustancialmente más peso que la documentación no autorizada, incluso del mismo evento.

"Mis cuadros son las cenizas de mi arte."

Yves Klein

Autenticidad y precauciones

Aquí la procedencia lo es todo. Muchas performances fueron fotografiadas por varias personas y circulan copias no autorizadas. Hay que insistir en la documentación: certificados, números de edición, correspondencia con el estudio o el legado del artista e historial de exposiciones. En las obras de vídeo, conviene confirmar qué formato y edición se compra y si el estudio del artista respaldará la futura migración a nuevos soportes: los formatos obsoletos son un riesgo real de conservación.

Las reliquias —ropa, cuchillas, objetos manchados de pigmento— son la categoría más delicada. Su valor descansa por completo en una cadena de custodia documentada que las vincule a una performance concreta. Sin ella, son simplemente objetos.

Cuidado y valor a largo plazo

La documentación fotográfica debe tratarse como cualquier fotografía artística: enmarcar con vidrio con filtro UV, mantener lejos de la luz solar directa y la humedad, y guardar los certificados por separado. Las obras digitales y de vídeo deben respaldarse según los protocolos del artista o de su legado.

Sobre el valor: las grandes figuras del movimiento —Abramović, Burden, Acconci, Pane, Mendieta, Klein— son firmemente canónicas, están presentes en los principales museos y su documentación autorizada se ha revalorizado de forma constante. Las ediciones suelen ser pequeñas, la oferta es finita y la demanda institucional es fuerte. La recompensa de una diligencia debida cuidadosa es poseer una huella genuina de parte del arte más radical del siglo XX.