¿Qué es el arte pop?

Dos comienzos, una actitud

El Pop art surgió dos veces. En Londres, a mediados de los años cincuenta, el Independent Group —Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y otros que se reunían en el Institute of Contemporary Arts— empezó a tratar la publicidad estadounidense, la ciencia ficción y las revistas ilustradas como materia prima seria. El collage de Hamilton de 1956, Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?, suele citarse como la declaración inaugural del movimiento, compuesto íntegramente con recortes de revistas. Pocos años después, y en gran medida de forma independiente, una generación neoyorquina —Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann— convirtió latas de sopa, viñetas de cómic y vallas publicitarias en pinturas de escala heroica.

"El Pop Art es: popular, efímero, prescindible, de bajo coste, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, con gancho, glamuroso, un gran negocio."

Richard Hamilton, carta a Alison y Peter Smithson, 1957

Esa lista se escribió antes de que existiera la mayor parte de la obra célebre, pero describe con precisión el método del movimiento: tomar imágenes que ya circulaban en la cultura, aislarlas, ampliarlas y dejar que hablaran por sí solas.

Las técnicas de la cultura de masas

Los artistas pop tomaron prestada no solo la imaginería comercial, sino también la técnica comercial. Rosenquist había pintado vallas publicitarias reales sobre Times Square antes de trasladar ese estilo fragmentado y de primer plano al lienzo. Lichtenstein simulaba a mano y con plantillas los puntos Ben-Day de la impresión barata de cómics, imitando deliberadamente la reproducción mecánica. Warhol fue el que más lejos llegó: desde 1962 adoptó la serigrafía fotográfica, transfiriendo una imagen fotográfica a una pantalla de malla y pasando la tinta con rasqueta sobre lienzo o papel. El proceso permitía la repetición —hileras de Marilyns, pilas de latas de sopa— a la vez que introducía variaciones accidentales. Colores mal registrados, coberturas de tinta desiguales y manchas se dejaban tal cual, de modo que no hay dos imágenes "idénticas" exactamente iguales.

Para los coleccionistas, esto tiene consecuencias prácticas. En el Pop art, la frontera entre pintura y obra gráfica se difumina deliberadamente: un lienzo serigrafiado y una hoja de papel serigrafiada pueden proceder de las mismas pantallas. Entender cuál es cuál —una obra única, un lienzo de una serie o una estampa numerada de una edición publicada— es el primer paso para leer cualquier objeto pop, y es exactamente la ambigüedad que los artistas buscaban. La estética de la máquina era el propósito, no un atajo.

Las ediciones y la cuestión del original

El Pop art abrazó el múltiple como cuestión de principio, así que las estampas editadas no son un subproducto menor del movimiento: son centrales en él. El portafolio Marilyn Monroe de Warhol de 1967, publicado a través de Factory Additions, y los proyectos gráficos de Lichtenstein con Gemini G.E.L. son obras canónicas por derecho propio. Dicho esto, el mercado distingue con nitidez entre las ediciones autorizadas por el artista y todo lo demás. Hay que buscar la firma, la numeración, la información del editor y del impresor y —lo más importante— la inclusión en el catálogo razonado pertinente: Feldman y Schellmann para la obra gráfica de Warhol, Mary Lee Corlett para la de Lichtenstein. Una imagen que no pueda vincularse a una entrada del catálogo razonado merece escepticismo, por familiar que parezca.

Conviene conocer las zonas grises más notorias. Las serigrafías llamadas "Sunday B. Morning" de Marilyn y Flowers, por ejemplo, son estampas posteriores realizadas a partir de imaginería relacionada con Warhol y se comercian abiertamente como tales: legítimas de poseer, pero no ediciones de Warhol, y con precios acordes. Los carteles de exposición, incluso los de época, son otra categoría distinta.

La autenticación en la práctica

Desde que la Andy Warhol Art Authentication Board se disolvió en 2012, ningún organismo emite nuevos dictámenes sobre Warhols en disputa. En la práctica, la autenticidad descansa hoy en la procedencia documentada, la inclusión en el catálogo razonado y la evidencia física del propio objeto. Esto vale para todo el movimiento: un historial de propiedad limpio e ininterrumpido desde una galería o un editor reconocidos vale mucho más que un sello o un certificado de origen incierto. Al comprar, hay que preguntar dónde ha estado la obra desde que salió del estudio o del editor, y esperar una respuesta coherente.

Estado y conservación

Los materiales del Pop son su principal riesgo de conservación. Las tintas serigráficas —especialmente los colores fluorescentes y Day-Glo que el movimiento adoraba— pueden ser fugaces y decolorarse notablemente con la exposición prolongada a la luz. Una Marilyn descolorida vale sustancialmente menos que una fresca, y la diferencia a menudo solo se aprecia junto a un ejemplar bien conservado. Conviene enmarcar las obras sobre papel tras vidrio con filtro UV, colgarlas lejos de la luz solar directa y no permitir nunca que se recorten los márgenes para ajustarlos a un marco: las hojas completas con bordes, numeración y firma intactos alcanzan primas claras. Bien cuidados, son objetos robustos: impresos, al fin y al cabo, con técnicas industriales concebidas para sobrevivir al mundo del que procedían.