Was ist Körperkunst?

Uralte Praxis, radikale Bewegung

Das Markieren, Bemalen und Formen des menschlichen Körpers gehört zu den ältesten künstlerischen Impulsen, die wir kennen — von den Tätowierungen Ötzis bis zu ritueller Skarifizierung und zeremonieller Körperbemalung in vielen Kulturen. Doch Body Art als benannte Bewegung gehört in die 1960er und 1970er Jahre, als eine Generation von Künstlern den objektbasierten Kunstmarkt ablehnte und sich dem einen Material zuwandte, das keine Galerie vorrätig haben konnte: dem eigenen Fleisch.

Der Wandel hatte Vorläufer. Yves Kleins Anthropométries von 1960 — bei denen nackte Modelle, mit seinem patentierten blauen Pigment bedeckt, sich gegen die Leinwand pressten — behandelten den Körper als lebenden Pinsel. Die Wiener Aktionisten inszenierten drastische Rituale mit Blut und körperlicher Ausdauer, während die japanische Gutai-Gruppe bereits in den 1950er Jahren den Körper eingesetzt hatte, um Materialien anzugreifen, zu durchstoßen und zu durchqueren.

Die Generation der Ausdauer

Anfang der 1970er Jahre war der Körper selbst zum Kunstwerk geworden. Chris Burden ließ sich in den Arm schießen (Shoot, 1971) und an einen Volkswagen kreuzigen (Trans-fixed, 1974). Vito Acconci biss sich in den eigenen Körper und goss die Bissspuren ab. Gina Pane schnitt sich in sorgfältig choreografierten „Aktionen“ mit Rasierklingen, und Marina Abramović lotete die Grenzen von Bewusstsein und Mitverantwortung des Publikums aus, etwa in Rhythm 0 (1974), bei dem Besucher eingeladen waren, 72 Objekte — darunter eine geladene Pistole — an ihrem passiven Körper zu verwenden. Ana Mendieta drückte ihre Silhouette in Erde, Blut und Flammen und verband Body Art mit Land Art und Ritual.

Diese Arbeiten stellten harte Fragen: nach Schmerz, Geschlecht, Kontrolle, dem Blick und danach, was ein Kunstwerk eigentlich ist, wenn nichts Physisches bleibt. Spätere Künstler führten die Logik weiter — ORLAN machte Schönheitsoperationen zur Live-Performance, die in Galerien übertragen wurde, und zeitgenössische Künstler arbeiten mit Tätowierung, Prothesen und Biotechnologie.

Für Sammler ist diese Geschichte wichtig, weil sie erklärt, was überdauert. Body Art war oft bewusst ephemer, weshalb der Markt, der um sie entstand, ein Markt der Spuren ist: Fotografien, Filme, Relikte, Zeichnungen und Partituren. Die antikommerziellen Ursprünge der Bewegung zu verstehen ist der erste Schritt, um sie klug zu sammeln — das Thema des nächsten Tabs.

Was man tatsächlich erwirbt

Da das Kunstwerk häufig ein live stattfindendes, unwiederholbares Ereignis war, bedeutet das Sammeln von Body Art fast immer, ihre Überreste zu sammeln. Die Hauptkategorien sind: fotografische Dokumentation (oft in signierten, nummerierten Editionen herausgegeben), Film- und Videoüberspielungen, Relikte oder Requisiten aus Performances, vorbereitende Zeichnungen und Partituren sowie — im Fall von Praktiken wie Kleins Anthropométries — der markierte Bildträger selbst, der als konventionelles Unikat funktioniert.

Fotografische Editionen sind das Rückgrat dieses Marktes. Zentrale Fragen: Wurde der Abzug vom Künstler oder vom Nachlass autorisiert? Handelt es sich um einen Vintage-Print aus der Zeit der Performance oder um eine spätere Edition? Wer hielt die Kamera — der Künstler, ein bestimmter Mitarbeiter oder ein Zuschauer? Vom Künstler autorisierte Abzüge mit signiertem Zertifikat haben wesentlich mehr Gewicht als nicht autorisierte Dokumentation, selbst desselben Ereignisses.

„Meine Bilder sind die Asche meiner Kunst.“

Yves Klein

Authentizität und worauf zu achten ist

Provenienz ist hier alles. Viele Performances wurden von mehreren Personen fotografiert, und nicht autorisierte Abzüge sind im Umlauf. Unverzichtbar sind Unterlagen: Zertifikate, Editionsnummern, Korrespondenz mit dem Atelier oder Nachlass des Künstlers sowie die Ausstellungsgeschichte. Bei Videoarbeiten ist zu klären, welches Format und welche Edition erworben wird und ob das Atelier des Künstlers eine künftige Migration auf neue Medien unterstützt — obsolete Formate sind ein reales konservatorisches Risiko.

Relikte — Kleidung, Klingen, pigmentbefleckte Objekte — sind die heikelste Kategorie. Ihr Wert beruht vollständig auf einer dokumentierten Herkunftskette, die sie mit einer bestimmten Performance verbindet. Ohne diese sind sie schlicht Gegenstände.

Pflege und langfristiger Wert

Fotografische Dokumentation ist wie jede künstlerische Fotografie zu behandeln: hinter UV-filterndem Glas rahmen, vor direktem Sonnenlicht und Feuchtigkeit schützen und Zertifikate separat aufbewahren. Digitale und Videoarbeiten sollten nach den Protokollen des Künstlers oder des Nachlasses gesichert werden.

Zum Wert: Die Hauptfiguren der Bewegung — Abramović, Burden, Acconci, Pane, Mendieta, Klein — sind fest kanonisiert, in bedeutenden Museen vertreten, und ihre autorisierte Dokumentation hat stetig an Wert gewonnen. Die Editionen sind meist klein, das Angebot ist endlich, und die institutionelle Nachfrage ist stark. Der Lohn sorgfältiger Prüfung ist der Besitz einer echten Spur einiger der radikalsten Kunstwerke des zwanzigsten Jahrhunderts.