Was ist Popart?

Zwei Anfänge, eine Haltung

Pop Art trat zweimal in Erscheinung. In London begann Mitte der 1950er Jahre die Independent Group — Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi und andere, die sich am Institute of Contemporary Arts trafen —, amerikanische Werbung, Science-Fiction und Hochglanzmagazine als ernsthaftes Ausgangsmaterial zu behandeln. Hamiltons Collage Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? von 1956, vollständig aus Zeitschriftenausschnitten zusammengesetzt, gilt oft als Eröffnungsstatement der Bewegung. Wenige Jahre später und weitgehend unabhängig davon machte eine New Yorker Generation — Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann — Suppendosen, Comic-Panels und Billboards zu Gemälden in heroischem Maßstab.

"Pop Art ist: populär, vergänglich, verbrauchbar, billig, massenproduziert, jung, witzig, sexy, trickreich, glamourös, Big Business."

Richard Hamilton, Brief an Alison und Peter Smithson, 1957

Diese Liste wurde geschrieben, bevor die meisten der berühmten Werke existierten, doch sie beschreibt die Methode der Bewegung präzise: Bildmaterial nehmen, das bereits in der Kultur zirkuliert, es isolieren, vergrößern und für sich stehen lassen.

Die Techniken der Massenkultur

Die Pop-Künstler übernahmen nicht nur kommerzielle Bildwelten, sondern auch kommerzielle Technik. Rosenquist hatte tatsächlich Billboards über dem Times Square gemalt, bevor er diesen fragmentierten Nahaufnahme-Stil auf die Leinwand übertrug. Lichtenstein simulierte die Ben-Day-Rasterpunkte des billigen Comicdrucks von Hand und mit Schablonen und imitierte damit bewusst die mechanische Reproduktion. Warhol ging am weitesten: Ab 1962 nutzte er den Fotosiebdruck, bei dem ein fotografisches Bild auf ein Gewebesieb übertragen und die Farbe mit der Rakel durch das Sieb auf Leinwand oder Papier gedrückt wird. Das Verfahren erlaubte Wiederholung — Reihen von Marilyns, Stapel von Suppendosen — und brachte zugleich zufällige Variation mit sich. Verschobene Farben, ungleichmäßiger Farbauftrag und Schlieren wurden belassen, sodass keine zwei "identischen" Bilder wirklich gleich sind.

Für Sammler ist das von praktischer Bedeutung. In der Pop Art ist die Grenze zwischen Gemälde und Druckgrafik bewusst verwischt: Eine im Siebdruck bearbeitete Leinwand und ein im Siebdruck bedrucktes Blatt Papier können von denselben Sieben stammen. Zu verstehen, was was ist — ein Unikat, eine Leinwand aus einer Serie oder ein nummerierter Druck aus einer verlegten Edition —, ist der erste Schritt beim Lesen jedes Pop-Objekts, und genau diese Mehrdeutigkeit war von den Künstlern beabsichtigt. Die Maschinenästhetik war der Punkt, keine Abkürzung.

Editionen und die Frage nach dem Original

Pop Art bekannte sich aus Prinzip zum Multiple, editierte Druckgrafiken sind daher kein minderwertiges Nebenprodukt der Bewegung — sie stehen in ihrem Zentrum. Warhols Marilyn-Monroe-Portfolio von 1967, verlegt bei Factory Additions, und Lichtensteins Druckprojekte mit Gemini G.E.L. sind eigenständige kanonische Werke. Der Markt unterscheidet allerdings scharf zwischen vom Künstler autorisierten Editionen und allem anderen. Achten Sie auf Signatur, Nummerierung, Angaben zu Verleger und Drucker und — vor allem — auf einen Eintrag im maßgeblichen Werkverzeichnis: Feldman und Schellmann für Warhols Druckgrafik, Mary Lee Corlett für Lichtenstein. Ein Bild, das sich keinem Werkverzeichniseintrag zuordnen lässt, verdient Skepsis, so vertraut es auch wirken mag.

Bekannte Grauzonen sollte man kennen. Die sogenannten "Sunday B. Morning"-Siebdrucke der Marilyn und der Flowers etwa sind spätere Drucke nach Warhol-Bildmaterial und werden offen als solche gehandelt — legitim zu besitzen, aber keine Warhol-Editionen und entsprechend bepreist. Ausstellungsplakate, auch zeitgenössische, sind noch einmal eine eigene Kategorie.

Authentifizierung in der Praxis

Seit sich das Andy Warhol Art Authentication Board 2012 aufgelöst hat, gibt kein Gremium mehr neue Gutachten zu umstrittenen Warhols ab. In der Praxis beruht Authentizität heute auf dokumentierter Provenienz, Aufnahme ins Werkverzeichnis und dem physischen Befund des Objekts selbst. Das gilt für die gesamte Bewegung: Eine saubere, lückenlose Besitzgeschichte von einer anerkannten Galerie oder einem anerkannten Verleger ist weit mehr wert als ein Stempel oder Zertifikat unklarer Herkunft. Fragen Sie beim Kauf, wo sich das Werk seit dem Verlassen von Atelier oder Verlag befunden hat, und erwarten Sie eine schlüssige Antwort.

Zustand und Pflege

Die Materialien der Pop Art sind ihr größtes konservatorisches Risiko. Siebdruckfarben — insbesondere die fluoreszierenden und Day-Glo-Farben, die die Bewegung liebte — können lichtempfindlich sein und bei längerer Lichteinwirkung deutlich verblassen. Eine verblasste Marilyn ist erheblich weniger wert als eine frische, und der Unterschied zeigt sich oft erst neben einem gut erhaltenen Exemplar. Rahmen Sie Arbeiten auf Papier hinter UV-filterndem Glas, hängen Sie sie fern von direktem Sonnenlicht und lassen Sie Ränder niemals beschneiden, um sie in einen Rahmen einzupassen: Vollständige Bögen mit intakten Rändern, Nummerierung und Signatur erzielen deutliche Aufschläge. Richtig gepflegt sind dies robuste Objekte — gedruckt schließlich mit industriellen Techniken, die dafür geschaffen wurden, die Welt zu überdauern, aus der sie stammen.