ST 2 d'Antonio Asis, une lithographie de 2013, illustre la fascination de l'artiste pour l'art optique et les motifs cinétiques. La composition est dominée par des cercles concentriques en bleu vif et blanc, se chevauchant et interagissant pour créer une illusion de mouvement et de profondeur. Ces formes circulaires répétées semblent vibrer à la surface, invitant l'œil du spectateur à se déplacer et à danser autour de la pièce. Asis manipule habilement la forme et la couleur pour engager les spectateurs dans une expérience visuelle dynamique, rappelant l'art optique des années 60. Cette œuvre capte l'exploration d'Asis de la perception et des possibilités rythmiques dans l'abstraction géométrique.
Antonio Asis (Argentine, 1932–2019) fut une figure majeure de l’Op Art et de l’Art Cinétique, connu pour ses compositions géométriques vibrantes qui explorent la perception et le mouvement. À travers des illusions d’optique et des motifs rythmiques, ses œuvres offrent des expériences visuelles dynamiques. L’art novateur d’Asis lui a valu une reconnaissance internationale, influençant des générations d’artistes abstraits et cinétiques.
LithographieLa lithographie est une méthode d'impression basée sur le principe que l'eau et l'huile ne se mélangent pas. Elle peut être utilisée pour imprimer des œuvres d'art ou du texte sur du papier ou d'autres matériaux appropriés. À l'origine, une image était dessinée avec de la cire, du gras ou de l'huile sur une surface ou une plaque de calcaire lithographique. Aujourd'hui, des plaques métalliques et d'autres surfaces sont également utilisées en impression lithographique.
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Pouces
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50 X 49.4 cm
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ST 2 d'Antonio Asis, une lithographie de 2013, illustre la fascination de l'artiste pour l'art optique et les motifs cinétiques. La composition est dominée par des cercles concentriques en bleu vif et blanc, se chevauchant et interagissant pour créer une illusion de mouvement et de profondeur. Ces formes circulaires répétées semblent vibrer à la surface, invitant l'œil du spectateur à se déplacer et à danser autour de la pièce. Asis manipule habilement la forme et la couleur pour engager les spectateurs dans une expérience visuelle dynamique, rappelant l'art optique des années 60. Cette œuvre capte l'exploration d'Asis de la perception et des possibilités rythmiques dans l'abstraction géométrique.
Antonio Asis (Argentine, 1932–2019) fut une figure majeure de l’Op Art et de l’Art Cinétique, connu pour ses compositions géométriques vibrantes qui explorent la perception et le mouvement. À travers des illusions d’optique et des motifs rythmiques, ses œuvres offrent des expériences visuelles dynamiques. L’art novateur d’Asis lui a valu une reconnaissance internationale, influençant des générations d’artistes abstraits et cinétiques.
Artiste argentin de la cinétiqueabstraite, Antonio Asis vit et travaille à Paris. En 1950, il a obtenu son diplôme de doctorat à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts de Buenos Aires, où il avait étudié l'art depuis l'âge de 14 ans. En 1944, Antonio Asis est devenu impliqué dans la publication d'un magazine artistique argentin, Arturo, et il était l'un des membres fondateurs d'une association d'art à Buenos Aires, qui était après 1945 une ville importante pour les artistes qui ont été impliqués dans le développement d'art abstrait. Antonio Asis a déménagé à Paris en 1956, où il s'est intéressé en premier à l'art cinétique et où il a ensuite travaillé aux côtés d'autres artistes internationaux, y compris Victor Vasarely, Yaacov Agam et Jesus Rafael Soto. Antonio Asis a commencé à explorer les vibrations entre les couleurs et leurs harmonies et il a également fait usage de monochrome dans certains de ses travaux. une grande partie de son art est centrée sur l'utilisation de la spirale, des sphères et d'autres formes géométriques comme les formes abstraites. en 1971, Antonio Asis a été co-fondateur du groupe Position qui inclut des artistes argentins expatriés ayant un intérêt dans les vibrations et les mouvements de la lumière, et qui travaillent également à Paris à cette époque.
L'art Hard Edge est un style de peinture abstraite qui est devenu populaire dans les années 1960. Il se caractérise par des zones de couleur délimitées par des arêtes nettes et tranchantes, peintes avec une précision géométrique. Le terme peinture hard-edge a été inventé par le critique d'art Jules Langsner pour décrire cette approche, qui contraste avec les formes plus douces et fluides d'autres styles abstraits.