Sam Francis

Untitled, 1984

106.7 X 73 inch

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10 mujeres del arte del siglo XX

10 Women in 20th Century Art

By Andrew Bay, UK
 

La pintura, el cine, el arte del performance y la escultura son solo algunas de las disciplinas a las que han contribuido mujeres con mucho talento en los últimos 100 años. Han suscitado un enorme interés entre historiadores del arte, críticos y compradores. Hemos reseñado a algunas de estas artistas que, casi siempre, se pasan por alto en el mundo del arte y se merecen toda nuestra atención.

Vanessa Beecroft, quien pasó su adolescencia en Milán, padeció trastornos alimenticios. Esta afección, junto con la adicción, fue el tema de su trabajo de fin de grado que produjo en la Academia de Bellas Artes de Milán en 1993, con 24 años. El éxito de esta performance la posicionó de inmediato como un gran artista del performance y el tratante de arte Jeffrey Deitch la invitó a Nueva York. Las obras de Beecroft se centran en el arte corporal y en la exploración del desnudo y el voyerismo como disparo de salida de las dinámicas de poder sociales. También conformó una relación única con celebridades mediáticas de la industria de la moda y la música, como el rapero Kanye West y Kim Kardashian o Yves Saint Laurent y Louis Vuitton. Sus impactantes instalaciones se pueden encontrar, entre otros lugares, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte de Eindhoven en los Países Bajos.

Con fotografías polaroids como herramienta principal, Marlene Dumas ha tratado complejos temas de deseo sexual, erotismo e identidad política en una trayectoria de 35 años. Nació en 1953 y se crio en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en una familia acomodada de daneses-africanos. Dumas estudió arte en la Universidad de Ámsterdam de 1975 a 1978 y ha vivido en la capital danesa desde entonces. Su obra fotográfica se centra en la naturaleza de la intimidad emocional y libidinal, haciendo referencias a revistas y literatura eróticas. Sus pinturas y retratos destacan por el uso de pinceladas superpuestas, las cuales evocan recuerdos fugaces de amigos, familiares cercanos y distantes, atrapados en su existencia cotidiana. Las narrativas fotográficas de Dumas, por otro lado, enuncian un comentario continuo sobre la cultura y los acontecimientos contemporáneos, representando diferentes temas, desde celebridades mediáticas a figuras históricas. Dumas es ahora profesora en la Universidad de Tilburgo en los Países Bajos y sus obras se pueden ver en el Museo del Arte Moderno de Nueva York.

Nacida en una familia adinerada en Nueva York en 1928, Helen Frankenthaler fue pionera del movimiento del expresionismo abstracto estadounidense de los años 50. En un primer momento exploró los bloques de color, fondos con manchas y lienzos opacos hasta ir desarrollando su estilo innovador y descarado. No tardó en darse a conocer. Entre aquellos que admiraban su estilo pionero, inspirado en Jackson Pollock, destacan Kenneth Noland y Morris Louis. Más tarde desarrolló sus propias técnicas no representativas, incidiendo en la linealidad, la exploración de los espacios no negativos y en el uso de xilografías y litografías. Recibió la Medalla Nacional de las Artes en 2001 y sus obras se pueden ver en varias colecciones privadas, como en el museo Guggenheim y el Museo Whitney de Arte de Nueva York.

Agnes Martin, nacida en Canadá, se mudó a los Estados Unidos en 1931, con 19 años. Descubrió el expresionismo abstracto, del que se convertiría en la máxima exponente en 1942 mientras estudiaba arte moderno en la universidad de Nueva York. Después de graduarse, se unió a una comunidad creativa de la que formaban parte Jasper Johns, Barnett Newman y Arne Glimcher. Durante este periodo desarrolló los aspectos clave de su estilo: líneas geométricas y bocetos, inspirándose en los paisajes áridos de Canadá; dibujos con tinta y acuarelas; cuadros de campos de cultivos y paisajes desérticos de Nuevo México. Con un sumo interés por el budismo, Martin vivió entre Nueva York y Nuevo México, donde produjo la mayoría de sus obras, las cuales ahora pertenecen a colecciones privadas en la Fundación Dia Art de Nueva York y en el Centro George Pompidou de París.

El psicoanálisis, el materialismo y el feminismo son algunos de los temas en los que Louise Bourgeois ahondó durante su trayectoria artística. Tal vez esté más conectada con sus fabulosas instalaciones araña en 3D, capturadas para la posteridad en obras como The Spider, The Mistress y Tangerine. También produjo importantes pinturas y esculturas, prosperó como grabadora, publicó libros y despuntó como directora de documentales. La naturaleza exploratoria y multifacética de sus obras le permitió profundizar en las ramificaciones de los movimientos artísticos clave del siglo XX como el expresionismo abstracto o el feminismo, aunque no llegó a involucrarse demasiado. Hija de tratantes de arte de París, Bourgeois es considerada una de las escultoras más importantes del siglo XX y produjo obras durante 70 años, batiendo récords de ventas y de asistencia en todo el mundo, con obras expuestas en la Galería Nacional de Arte de Washington DC, en el Centro George Pompidou de París y en el Tate Modern de Londres.

Junto con sus conocidos colegas de los Young British Artists, Tracey Emin se convirtió en toda una sensación del mundo del arte a mediados de los 90 con un enfoque distintivo en las instalaciones, películas y esculturas conceptuales. Redefine el punto de vista del diseño idiosincrático para crear un arte conceptual, que a su vez admite audacia y sentimentalismo.

Se formó en la Royal College of Art en 1990 y reveló hechos personales de su vida para producir obras novedosas como "Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995" o "You Loved Me Like a Disaster". Sus obras han sido expuestas en instituciones de prestigio como el Museo Stedelijk de Ámsterdam, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la galería Tate Modern de Londres. Emin fue elegida miembro de la Real Academia de Arte en 2011 y vive en East London.

Con una colección de 69 fotografías, en las que intentó recrear los estereotipos sobre la mujer que ella sentía que eran generalizados en la cultura pop, Cindy Sherman revolucionó el mundo artístico en 1980. La serie se llamó Untitled Film Stills y, mediante diferentes escenarios, atuendos y luces, compuso una interpretación ambigua del realismo clásico, tomado prestado del cine estadounidense y de cuadros de la época de 1940 a 1950. En las siguientes décadas, Sherman siguió explorando el feminismo y las políticas de genero de la sociedad estadounidense moderna. Sus imágenes reflejan diferentes combinaciones estilísticas rebeldes, desde disfraces burlescos o imágenes deformes hasta ediciones digitales y fotografías en cibachrome. Sherman ha expuesto en algunas de las galerías más prestigiosas del mundo y recibió la prestigiosa beca MacArthur en 1995.

La artista estadounidense Barbara Kruger cobró protagonismo a principios de 1980 con obras gráficas que combinó con imágenes en blanco y negro, con narrativas textuales atrevidas e inventadas. Sus obras más icónicas destacan por sus eslóganes irónicos y serios en letras blancas y en negrita como: "El futuro es de aquellos que lo ven" o "Compro, luego existo." Contra cuadros de fondo rojos que contrarrestan las imágenes encriptadas, toma prestado sin miedo las revistas de la industria editorial y otros medios de comunicación para canalizar sus críticas sobre el consumismo y la cultura popular. Con prestigiosas exposiciones en el Venice Bienniale, el Museo Whitney y las exposiciones documenta en Alemania, Kruger ha desarrollado una capacidad única de crear observaciones y comentarios sociales mordaces. Su singular estilo se ha colado en nuestra conciencia colectiva, plasmándose en innumerables tarjetas, portadas de revistas y vallas publicitarias de todo el mundo editorial.

En 1963, Yayoi Kusama comenzó una serie de instalaciones innovadoras que han cautivado al público de todo el mundo, sus extraordinarias Infinity Mirror Rooms. Estas salas independientes cuentan con un tapiz de bolas de cristal espejadas, combinadas de tal manera que crean la ilusión de un espacio infinito de puntos y luces.

Nacida en Tokio en una familia acomodada en 1929, se mudó a Estados Unidos en los años 50 y rápidamente se convirtió en una figura clave del arte vanguardista en Nueva York. Sus obras han influido en el movimiento del arte pop y se han exhibido en el MoMa de Nueva York y en el Tate Modern de Londres. En sus 35 años de carrera, ha tocado temas como la salud mental, las alucinaciones sexuales, la autoanulación y entornos infinitos. Aunque ahora es reconocida como una de las artistas pop vivas más influyentes, Kusama vive desde 1977 en un hospital de salud mental en Tokio.

Marina Abramovic es sin duda una de las artistas del performance más conocidas de nuestra época. Explora muchos temas como la naturaleza del espacio y el tiempo, las implicaciones de la condición humana y la incertidumbre de la existencia. A lo largo de su carrera, ha intentado redefinir los límites del diálogo que, en su opinión, debe tener lugar entre la obra de arte y el público. Sus obras han sido expuestas en festivales de arte contemporáneo de renombre como Documenta (1982 y 1992), Venice Biennale (1997) y estará en la feria de arte London Frieze en octubre de 2022. Abramovic vivió y colaboró con la artista y fotógrafa alemana Uwe Laysiepen (también conocida como Ulay) de 1975 hasta 1988. Pusieron fin a su relación cruzando la Gran Muralla China, cada una desde un extremo y encontrándose en el medio para simplemente decirse "adiós." Desde entonces, inició su carrera en solitario, desafiando al público de todo el mundo, y explorando sus reacciones y respuestas emocionales en sus performances.

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